Author Archives: Esther Fernandez Rosario

La historia a través de la literatura

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El siglo XX fue un tiempo de muchos cambios para varios países y regiones, especialmente en hispanoamérica. Era un tiempo en que el mundo comenzó a moverse del imperialismo y se enfoca más en la progresión de  sus propios países. Mientras es muy interesante estudiar las guerras civiles entre los países hispanoamericanos o como ellos trataron de formar una identidad nacional después del colonialismo, me interesa mucho la progresión de las mujeres en este tiempo y como sus movimientos feministas eran diferentes a los de estados unidos. Es fascinante estudiar esto a través de la literatura posmodernista, que trataba de acortar la distancia entre el lector y la voz poética, lo cual hace que el lector se sienta presente y más conectado al momento del poema.

Estas características de la literatura posmodernista y la progresión de las mujeres en este siglo se hace evidente en el poema “Reparto de tierra” por la poeta Gabriela Mistral. El poema comienza con un tono de sufrimiento colectivo. Con versos como “Aún vivimos en el trance del torpe olvido y el gran silencio…olvidados como niños y absurdos como ciegos” (1-2,5-6). En el contexto del tiempo, y por el resto del poema, se sabe que el “nosotros” mayormente representa a las mujeres. La forma masculina del poema es para unir a todos los que se sienten maltratados y no escuchados por la sociedad abajo del movimiento femenista. La distancia entre la voz poética y la audiencia se acorta aún más al final del poema, cuando toda la acción está pasando. La voz poética nos habla directamente con preguntas y directivos “¿Te das cuenta? ¡Entiende, mira!” (26). Estas palabras directas hacen que uno se sienta que está en el momento, también conmovidos por lo que está pasando. La última línea también enfatiza la importancia del evento con el verso “Ve correr a las mujeres”, lo cual transmite un tono de admiración para el movimiento. 

Poemas como estos son una gran forma de conectarse con la historia que aprendemos en los libros de la escuela. 

La representación de las Americas

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Me emociona mucho que ya hemos llegado al siglo XX porque nos da la oportunidad de conocer la historia que la escuela nos ha enseñado desde una perspectiva nueva. En este tiempo, los Estados Unidos estaban creciendo en poder y presencia internacionalmente, lo cual resultó en aún más resentimiento hacia los extranjeros en los países colonizados como la República Dominicana. Si ya no saben por la introducción, quiero analizar el poema “A Roosevelt” escrito por Ruben Dario. 

Por la mayor parte, la estructura del poema nos da dos versiones sobre Los Estados Unidos y hispanoamerica. En la primera parte del poema, la voz poética habla sobre los Estados Unidos como ellos se ven a ellos mismos. Como se menciona en el título, el poema está dirigido al presidente Roosevelt y su ideología de andar con un palo grande. Como la voz poética dice, “Crees…[que] en donde pones la bala, el porvenir pones” (15-18). Esto es para decir que en este tiempo los Estados Unidos tenían una perspectiva paterna hasta los países de hispanoamérica, creyendo que estos países eran muy bárbaros para saber cómo progresar ellos mismos. Pero, como la voz poética nos informa en la segunda parte de este poema, los Estados Unidos están ignorando la fortaleza y la historia de los países hispanoamericanos. Mientras la voz poética reconoce el poder de los Estados Unidos con los versos “Los Estados Unidos son potentes y grandes. Cuando ellos se estremecen hay un hondo temblor” (20-21), también habla de la América que los hispanos conocen. Esta es “la América del gran Moctezuma, del inca” (38), la América que sueña. Y ama, y vibra; y es la hija del Sol. Tened cuidado. Vive la América española!” (46-46). Esta es una representación de América muy diferente de las ideas estadounidenses. En vez de un país que necesita que alguien la guíe, habla de una hispanoamérica que ha sido fuerte y resiliente sobre los años.

La representación de los guachos

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Lo que me fascinó más con los poemas de Jose Hernández fue su representacion del protagonista Martín Fierro. Normalmente, los escritores representan a un personaje de una forma específica para influenciar cómo las audiencias reciben a ese personaje. Por ejemplo, si un autor quiere enseñar que todos pueden cambiar y ser mejor personas, van a comenzar con un personaje que es inicialmente muy malo y después se mejora como pasó con Don Juan en “Don Juan Tenorio.” Esto ayuda a representar una progresión clara y nos da la lesión que todos podemos cambiar. Pero, encontre con los poemas sobre Martín Fierro que no sabía cómo sentir me de él o si representaba a los guachos de una forma positiva.

Al comienzo del canto uno en el primer libro, sentí lástima por Gaucho pero eso fue cambiando a lo largo de la historia. En el primer canto, somos introducidos a un hombre que ha sufrido mucho. Como el describe en el verso 85, nació “como nace el peje en el fondo de la mar”, con nada que sostenerse y ha pasado su vida huyendo del sufrimiento, queriendo vivir “tan libre como el pájaro en el cielo” (91-92). En los versos 109-114 nos explica más de su desgracias y cómo es mal recibido por las otras personas. Todo esto me hizo que tuviera lastima, pero esto cambia lo más que lo conocí. En el séptimo canto, vemos como trata de seducir a una mujer y termina matando a un hombre. Lo que me sorprendió de esta situación y me hizo verlo diferente es que el exotiza a la mujer y al hombre, constantemente comparándolos con animales. Creo que esto es para decir que Martín Fierro ve a los negros como más bajo que él y por eso no valora sus vida tanto. Justifico la muerte del hombre con versos como “pa dejar un diablo menos” (1236), lo cual me hace pensar que él no se arrepiente por lo que pasó.

Don Juan Tenorio y sus cambios

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Mientras leí la obra, entendí porque Don Juan Tenorio es tan popular hasta este día. En un mundo de reglas sociales, el es un hombre que no le da mente a las consecuencias y vive como quiere. En muchas formas, es la encarnación del movimiento del romanticismo. Él valora sus deseo sobre la razón, no sigue las reglas que los otros le ponen, y está muy interesado en lo erotico hasta que la pasión y la fuerza de su amor por Doña Inés lo cambia.

De hecho, el cambio entre Don Juan de un hombre sin reglas a un hombre arrepentido me fascinó mucho. Encontré brillante que este cambio es representado a través de la repetición de algunos de sus versos más famosos. En la escena siete, Don Juan nos cuenta sus aventuras durante este año pasado. Alardeando, dice “la razón atropellé, la virtud escarnecí, a la justicia burlé” (502-504). Él está orgulloso de vivir únicamente para su beneficio. No le tiene lealtad a nadie y no valora las leyes y los sentimientos de los otros. Pero, años después, viendo cómo su estilo de vida había arruinado su oportunidad para tener el amor verdadero en la tierra, se arrepiente. Repite las mismas palabras en los versos 3729-3732. Esto es un cambio total para Don Juan, como si viendo las estatuas de todos los personajes de su vida que ha lastimado lo hizo tener perspectiva en cómo sus acciones habían destruido sus relaciones personales. Es muy interesante como las mismas palabras pueden tener un significado completamente diferente dependiendo del contexto. 

Tampoco sé cómo me siento sobre el final de la obra. Siento que Don Juan casi no sufrió por sus crímenes y dejarlo salvarse en los últimos momentos no es justo para la justicia de las personas que mató. Siento que esto da el mensaje que uno puede vivir la vida que quiera sobre la tierra sin consciencia de las consecuencias y solamente arrepentirse antes de morir para ser salvado.

El amor

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El romanticismo era completamente contrario a la ilustración, que valoraba la razón sobre todo. El romanticismo, en contrario, valoraba a los sentimientos. Esto se puede ver en los varios poemas sobre amor de los poetas del tiempo. A través de sus poemas, Gertrudis Gómez explica los diferentes tipos de amor y las diferentes etapas del amor

Su poema “Al partir” representa el amor que uno puede tener para su país nativo. Durante lo largo del poema, ella refiere a Cuba con varios términos como “perla del mar”, “estrella”, y “edén querido” que la pone como una nación sobre todas las naciones. Lo más efectivo de este poema son las imágenes que ella pinta en las cabezas de los lectores a través de sus palabras. En el verso dos, habla sobre el brillante cielo de Cuba, en versos 5-8 habla de cómo el barco la va a arrancar de su tierra nativa, y en versos 13-14 habla de cómo el barco se comienza a mover, separandola a de su tierra. Estas imágenes con la repetición del dolor que le da dejar su tierra nativa nos comunica un amor profundo y apasionado. Por la intensidad de este amor, ella nunca va a poder olvidarla; siempre será parte de ella.

Su poema “A él” habla sobre la terminación del amor entre dos personas y el dolor que resulta acaso. Sabemos que esto es un poema de la terminación de una relación por el primer verso que termina con “todo esta roto” y el quinto verso que dice “te ame, no te amo ya”. El poema también le echa la culpa al amante. En el verso diez, la voz poética nos dice que su amante ha destrozado su corazón “sin piedad”. La terminación de la relación es difícil y como una “triste libertad”, que como sabemos por el dolor que la voz poética expresa, no era algo que ella quería.

El calvo y la mosca

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Algo que me ha gustado bastante en esta clase es aprender sobre las diferente formas en que se puede usar la poesía. Antes de esta clase, solo pensaba en un poema como algo corto que era muy abstracto. Pero, ahora sé que los poemas pueden ser historias y hasta fábulas. Lo que me interesa de las fábulas en forma de poesía es que pueden ser muy sofisticadas en cómo son escritas, pero también tienen un mensaje muy claro. Para este comentario, hablaré sobre la fábula de Samaniego titulada “El calvo y la mosca”. 

En la fábula “El calvo y la mosca” hay un hombre viejo que trata de matar a una mosca y se lastima la mano tratando. Al comienzo del poema, la moral de la fábula parece ser que uno no debe actuar con malicia o si no la karma le llegará. Sabemos esto porque cuando el hombre se lastima dice “Al que obra con malicia…rigurosa justicia debe dar el castigo conveniente.” Pero, al resto de la fábula se ve que este poema es en verdad una crítica sobre la clase alta y el sistema de justicia del tiempo. Al final, el hombre dice “el grado de la ofensa tanto asciende cuanto sea más vil aquel que ofende.” Es decir, a los pobres y a los ricos se les da consecuencias diferentes por el mismo crimen solamente por su estatus social y su ricasa. Por lo tanto, Samaniego discute que el sistema de justicia no es justo. Los ricos pueden pagar por su crimen y deshacerse de las consecuencias graves mientras los pobres deben sufrir a las manos de miembros de la justicia que los ven como inferiores a ellos. 

Poniendo esta crítica en el tiempo de luces, es interesante que el hacienda le dice esto a una mosca porque es como si dijera que los humanos no son tan avanzados como pensamos. La mosca tiene una idea de la justicia más igualitaria que los humanos. Cuando el hombre trató de matarla y se lastimo, ella reclama, “si quitarme la vida intentaste por un leve delito, ¿a qué pena condenas a tu brazo?” Esto es para decir que el hombre debía esperar una forma de consecuencia justa por sus acciones porque cada crimen tiene sus consecuencias. Como ya e dicho, esto es diferente a la idea de justicia para los humanos, porque la consecuencia no depende del crimen, sino del estatus social de una persona.

La violenta unión de dos culturas

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Lo que más me gustó de esta semana fue aprender que en el tiempo colonialista, ya había gente que criticaba el tratamiento de los indígenas. Ercilla fue una de estas personas. El uso su talento para tomar una posición política contra el violento colonialismo de las Américas. Su poema más famoso sobre este tema es “La Araucana”. Mientras los colonialistas españoles veían a los indígenas de América como salvajes y bárbaros, Erilla los veía como inteligentes y fuertes. Describe a Arauco, un pueblo  indígena, como un “fiero pueblo no domado” y que “hace en torno temblar toda la tierra”. Los indígenas de este tiempo eran muy avanzados, aunque los colonialistas no lo veían. Desafortunadamente, muchos murieron a causa de la colonización, pero los que sobrevivieron pasaron sus vidas en tratar de preservar su cultura. Gracias a ellos es que sabemos que los indígenas no eran salvajes como los colonialistas pensaban.

También me pareció muy interesante que el término “meztizo” ya era usado en este tiempo. La primera vez que escuché ese término fue el semestre pasado. Tomé una clase sobre el activismo de las comunidades latinas entre los Estados Unidos. Pasamos mucho tiempo hablando de la relación entre México y los Estados Unidos. El término “mestizo” era usado para hablar de las personas que vivían en el sur de Norteamérica y tenían sangre nativa y de los españoles. “Meztizo” es como un mezclaje de dos culturas, lo cual resultó en el barroco de Indias. Porque tomé esa clase el semestre pasado, se que en los tiempos de la guerra entre America y los estados unidos, el término meztizo era negativo porque esa persona no era “puro” de ninguna raza. Me pregunto si esto también pasaba en el tiempo de colonialismo. Se que los indígenas no eran tratados bien porque los españoles creían que ellos eran inferiores, pero me pregunto si los mestizos eran vistos más cerca del mismo estatus social de los colonialistas.

Una vida de romance y escritura

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Aprender de la vida de Lope de Vega me fascino mucho. En muchas clases sobre literatura y teatro, se pasa mucho tiempo en las obras de arte y casi no se habla de los autores de estas obras. Entonces, me encantó poder pasar tanto tiempo en la vida de Lope, especialmente porque realmente tuvo una vida de locura. 

Primero voy a comentar sobre la película. La película me ayudó a entender la vida de Lope y lo difícil que era la vida de un escritor en ese tiempo. Sabemos que la época barroca era una época muy creativa en la cual se reinventó el método de entretenimiento para las personas. El teatro se volvió más popular, creando una necesidad grande para nuevas obras constantemente. Sin embargo, si uno no era rico, era muy difícil que los jefes de las compañías de teatro leyeran sus trabajos. En la película, vimos como muchas obras eran rechazadas libremente porque el autor no tenía conexiones importantes. Por esto me pregunto porque Lope era tan especial. Se que era muy carismático, especialmente con las mujeres, pero antes de que estrenara su primera obra, la gente lo amaba. Me gustó mucho como la película usó sus poemas reales. Es una cosa leer algo y otra verla realizado. 

Con el contexto de su vida que me dio la película, pude apreciar su soneto de rimas sacras más. Como casi todos los poetas que hemos discutido, usa la rima mucho a través del poema y las metáforas. También escribe en el presente, lo cual es justo para el tiempo de barraco. Pero, diferente a los otros poetas, no solamente escribe del presente, sino también de su pasado para llegar al presente. “El laberinto tan extraño” fue su vida y lo tormentosa que fue. Cómo comienza el poema con versos que nos dicen que el “a conocer su error [ha] llegado”, sabemos que él siente que ha encontrado la paz haciéndose sacerdote.

¿La vida es sueño?

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En realidad, me di cuenta que no sabía que escribir para esta semana cuando me senté en mi computadora a hacer el análisis de texto que hago usualmente porque tengo más preguntas que conclusiones. Con una obra, hay mucho más que analizar. Voy a tratar de organizar mis pensamientos en esta entrada, pero solo sepan que tengo mucho mas de que hablar. 

Primeramente, esta obra me está ayudando a entender el Barraco más profundamente. Para mi, el barraco es la expresión no solo de lo lujosa que puede ser la vida, sino también una expresión de la complejidad de la experiencia humana. En esta obra observamos el lujo mucho solamente en la primera jornada. Conocemos a un rey, un hijo que técnicamente es rey, y también dos hermanos (una pareja?) que quieren la corona. En virtud de ser parte de la familia real, ellos tienen mucho dinero y acceso al poder. Sin embargo, no son excluidos de la complejidad de la experiencia humana. El rey ama a su hijo y a la gente que gobierna y por eso aprisiona a su hijo. Pero, como humano, su hijo quiere vivir una vida completa. Quiere salir afuera y no ser un secreto en la oscuridad. Los sobrinos, aunque aman a su tío y ahora a su primo, también tienen motivo para lastimar a Segismundo para obtener el poder.

 Estos datos y más me han dejado con muchas preguntas. Se que mató a su madre naciendo, pero porque era necesario aprisionar a Segismundo?  ¿Si es tan peligroso, por qué dejarlo salir?  ¿ Porque Rosaura anda vestida de hombre? ¿Cuál es su relación con Clarín?  ¿Que tiene ella contra Astolfo?  ¿En verdad ama a Segismundo?  ¿De qué se trata el título de la obra? Actualmente, la vida para los personajes de esta obra parece más una pesadilla que un sueño.

Poemas para Dios

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Lo que más me emocionό de esta semana fue leer los poemas de la escritora Santa Teresa de Ávila. Hasta hoy, la representación de las mujeres en los medios populares de entretenimiento sigue siendo mínima. Entonces, me sorprendí y me emocioné de poder leer las palabras de una mujer que vivía en una sociedad muy machista. Voy a analizar sus poemas “Sobre aquellas palabras” y “Vivo Sin Vivir en Mi”.

En el primer poema, me sorprendí por la aparente personificación de Dios. De hecho, ni se sabe hasta el final del poema que es un poema para Dios. Esto es porque las palabras que la poeta usa describen a un amante y no a un dios divino. Ella se refiere a dios como su amado cuyo amor la dejó “rendida y cobrando nueva vida”. La repetición de “que mi Amado es para mi, y yo soy para mi amado” indica a un amor intenso y muy apasionado. Lo único inusual de este Amado es que puede tirar flechas de amor, como dice la última estrofa. La revelación de la identidad del amante llega al final del poema cuando la voz poética nos dice “a mi Dios me he entregado”. Este poema compara la relación entre una creyente y dios a una relación humana, lo cual es muy interesante porque normalmente Dios es ilustrado como una presencia mucho más valiosa que un humano. 

El segundo poema es más como un poema tradicional para Dios. La repetición de las líneas “que muero porque no muero” nos dice que la vida en la tierra es nada comparada con la vida en el cielo. En verdadera forma cristiana, con este poema Santa Teresa nos recuerda que uno solo está en la tierra para llegar al cielo con tanta emoción para la vida más allá con líneas como “Ay, qué larga es esta vida!”. La rima en el poema también es interesante, dividiendo el poema en mensajes. Por ejemplo, en la segunda estrofa “amor” rima con “Señor”, lo cual nos dice que el Señor y el amor van mano en mano. Ella vive “en el Señor” por el amor que le tiene y el amor que él le tiene a ella.