El poeta nicaragüense, Ernesto Cardenal, escribe la Oración por Marilyn Monroe, después de tres años de la muerte de la actriz. El poema es uno de los favoritos del poeta, donde honra la vida de la famosa celebridad. Cardinal jugó muchos papeles en la vida, pero su fama mundial fue por sus obras poéticas. Cardinal pertenece al movimiento vangaurdista y cree en el poder de la exteriosis debido a su capacidad para convertir a los lectores en revolucionarios. Me encantó el poema de Marilyn Monroe porque me conectó con el poeta y el mensaje que transmite la historia de la actriz. No sabía que Marilyn sufrió tanto en su infancia y la cantidad de tristeza con que vivió. Ella nunca pudo ser feliz, “Tenía hambre de amor”. Al escribir esta oración, me hace ver cómo la imagen de una actriz es como un objeto y cómo el poeta trató de humanizar a la actriz. Además, el poema hace que los lectores vean cómo las personas famosas no son perfectas, tienen sentimientos y se sacrifican mucho para llegar al estado en que se encuentran. La verdad que felicito a Cardenal por darle a Marilyn una perspectiva que nunca hemos visto y que nos da esperanza para nosotros mismos. Para muchos que no creen en sí mismos, Marilyn es un buen ejemplo de cómo llegó a lograr sus sueños y de que todo es posible. El poema utiliza la métrica de la variedad y la rima es libre. Me hace respetar mucho al poeta Cardenal porque le está pidiendo a Dios que lo escuche y disculpe a Marilyn y la acepte en el cielo con su exclamación al final del poema: “… ¡contesta tu teléfono!”

Unknown. “Idk Marilyn Monroe GIF – Idk MarilynMonroe Sad – Discover & Share GIFs.” Tenor, Tenor, 19 Apr. 2016, tenor.com/view/idk-marilyn-monroe-sad-depressed-shrugs-gif-5348427.

“Poema 20 y Canción Desesperada, De Pablo Neruda.” Alef, alef.mx/poema-20-y-cancion-desesperada-de-pablo-neruda/.

El amor afecta al ser humano en todos los aspectos de su vida. Las emociones y las acciones son típicamente controladas por el amor. Para esta experiencia universal es por qué los poetas utilizan el amor en su poesía. Como Pablo Neruda, era inevitable que no usara esta proyección del sentimiento de amor. Sin embargo, en Poema 20, el escritor ha dominado el sentimiento de tristeza para enfatizar un amor perdido. Parece muy común que encontramos tantos poetas que quieren describir su dolor. Al compartir la tristeza, la soledad y la angustia como lectores, nos hace conectar más con el poeta y compartir los mismos sentimientos y experiencias propias. Además, el poema comienza con la melancolía que se siente en el primer verso: “Puedo escribir los versos más tristes esta noche”. El poeta utiliza la aliteración para hacernos sentir algo en particular con la formación del sonido de la noche. A lo largo del poema, utiliza muchas figuras literarias con sonido para poder escuchar y sentir al poeta. “Cómo no haber amado sus grandes ojos fijos”, este verso usa similitud para poseer un sonido. Otro ejemplo que refleja el sonido cuando se produce es conocido como onamatopoeya, “Eso es todo. A lo lejos alguien canta. A lo lejos”. A lo largo de la poesía, Neruda expresa cómo el amor lo ha promovido por una traición o la pérdida de una mujer amada. Normalmente, he notado que las mujeres se caracterizan por ser más sentimentales y que son libres de expresar lo que sienten, pero después de estudiar a todos los poetas de esta clase, me muestran claramente que tales hombres no pueden expresarse verbalmente, sino que lo hacen por escrito.

Para mí, el momento más resonante de la película, Neruda, es cuando Oscar está muriendo en la nieve, y dice, “Me abrazó, me habló, bailamos juntos.” Pablo Neruda es muy importante para la gente de Chile porque podía capturar sus verdades de la vida en su poesía y dar voz a sus experiencias y dolor. Creo que este momento en la película ilustra esta idea porque la policía quien está persiguiendo a Neruda con un fervor todavía siente cerca y abrazada de Neruda en sus últimos momentos de vida.

Yo no podía leer todos sus poemas en un tiempo porque me afectan mucho, y ya entiendo porque su escritura tenia tanta poder a la gente. Es maravillosa como puede capturar la belleza y el sufrimiento de la condición ser humano con sus palabras; es el epitome de “mostrar, no decir”, no está describiendo las experiencias de los seres humanos, y los chilenos, sino está trayéndolos a vivir. En su poema, Sobre una poesía sin pureza, él habla sobre la poesía como una expresión autentica de la vida cotidiana que no debe ser pura y remoto de los aspectos menos lindos de la realidad. En la estrofa dos, escribe, “Las superficies usadas, el gasto que las manos han infligido a las cosas, la atmósfera a menudo trágica y siempre patética de estos objetos, infunde una especia de atracción n despreciable hacia la realidad del mundo” (Neruda, 9-12). En esto, habla al deseo de la gente de tener representaciones de sus realidades, que son muchas veces muy feas y dolorosas. Creo que su argumento en este poema habla a lo que hace en sus otros, dando atención y poder y palabras simplemente a las experiencias reales de los seres humanos.

Su Poema 20 hace esto para mí; me hace llorar cuando leía, porque representa el dolor profundo de amor y la experiencia de estar en conexión con otra persona. Cuando dice, “Como para acercarla mi mirada la busca. Mi corazón la busca, y ella no está conmigo” (Neruda, 19-20), puedo sentir esa experiencia corporal de esta búsqueda, y entiendo profundamente el dolor del amor. Pero él nunca dice “el amor es doloroso, el amor es una enfermedad”, sino podemos sentir esto en sus palabras. Con su escritura genial, Neruda da las experiencias de la gente vida y poder, y es claro la razón porque es celebrado por Chile.

“Los filósofos también están hechos de carne y hueso” (Academy of Ideas citas de filosofia). En 1912, Miguel de Unamuno publicó un libro titulado, El sentimiento trágico de la vida en los hombres y en los pueblos. La pregunta básica que Unamuno hizo en sus poemas es: ¿por qué? ¿Y para qué? El poema, A mi buitre, se centra en la pregunta anterior, al tiempo que destaca la investigación de la conciencia de Unamuno al hacerlo presente, consciente y solo (excepto el buitre), en el momento de la muerte. En muchos de los otros poemas que hemos leído este semestre, el medio ambiente y la naturaleza han sido una salvadora, pero aquí, para Unamuno, la naturaleza es su fin y la vida, literalmente, se lo ha tragado. En su propia muerte, se dio cuenta de sus propias limitaciones, que esencialmente lo que es la conciencia, ya que todos estamos limitados por nuestras muertes eventuales. Como limitación, puede haber una tragedia, pero Unamuno ve tanto la tragedia como el poder en el buitre mientras está consciente de su momento de desvanecimiento. Él dice que el buitre, “es mi único constante compañero”  lo que representa el hecho de que siempre está consciente de sus propias limitaciones en la vida. El buitre de alguna manera es una metáfora de estar constantemente en una crisis existencial. Es tan difícil para nosotros imaginarnos que no existiremos un día, y en eso, Unamuno dio consentimiento en la muerte. En este poema, el buitre está literalmente hecho de tinta sobre papel, y no puede volar, lo que también es una metáfora de la injusticia de la vida y la tortura que todos nos permitimos sentir.

Por su juventud, familia, y educación, las creencias de Miguel de Unamuno fueron opuestas de las del gobierno en su época.  Era un socialista y republicana contra una monarquía con grandes influencias del militar.  Su vida estaba llena de conflicto interno y su poema demuestra esta violencia y destrucción.

El poema es fuerte en sentimiento y gráfica en descripciones.  Muestra una situación horrible por todos, como la vida en España durante esta época de agitación y violencia civil.  En el poema, solamente hay dos personajes, él hombre muriendo y el buitre hambre.  Solamente dos en su propio mundo, como España durante la última parte del siglo XIX y la comienza del siglo XX.  Los dos personajes pueden ser los dos lados políticos (los liberales y los monarquistas) o también la gente de España en general.  Como en su mundo real, este mundo del poema está lleno de sufrimiento.  El buitre “devora las entrañas fiero” (línea 2) pero también es su “único constante compañero” (línea 3).

Aunque el narrador está sufriendo, solamente quiere estar con el buitre y nadie más.  Dice que aún en sus últimos minutos “quiero que me dejéis con él solo y señero” (líneas 6-7).  En esta primera parte del poema, parece que hay un respeto entre el narrador y su asesino.  Es interesante porque por muchos años en España, los partidos pequeños necesitaban esperar pacíficamente hasta el día que el gobierno se hace débil.  Entonces, vimos el fin escondido del narrador mientas “en sus ojos la sombría mirada al ver la suerte que le amaga sin esta presa en qué satisfacía el hambre atroz que nunca se le apaga” (líneas 11-14).  Es su venganza; sabía que el buitre va a devorar todo de su cuerpo, pero también sabía que, si el buitre come todo, va a destruir su mismo también.  Parece cómo un comentario sobre la situación en el país; la gente está destruyendo su mismo.  Por su conflicto interno, la gente (el buitre) estaba destruyendo su mismo (devora las entrañas hasta no hay mas presa).

El poema “A mi buitre” de Miguel de Unamuno representa una critica del fascismo español. El poema cuenta una batalla paulatino contra un buitre que le come y le mata eventualmente. Pero el autor avisa que al final, es el que gana no el buitre porque ahora el buitre pierde su comida y su único contacto. El poema es escrito por una audiencia que debe participar. El autor pide que el lector “que me dejéis con él solo y señero” porque quiere mirar la cara del buitre (7).

El poema expresa la solitud del autor. Era confinado a su casa durante los últimos años de su vida y exiliado durante siete años antes. Era combatante contra el fascismo y su lucha le puso en su arresto domicilio y entonces podemos ver este poema como reflexión sobre su lucha.

El “buitre voraz de ceño torvo/ que me devora las entrañas fiero” representa el fascismo (3). El fascismo, como el buitre, le devora. Pero el mensaje del autor es que el fascismo necessita enemigos para legitimizarse y entonces cuando mata a todos sus enemigos intellectuales, no puede satisfechar su “hambre.”

El poema obviamente critica el brutalismo del fascismo pero también commenta en el papel del artista bajo un gobierno represivo. Avanza un argumento casi-existentialista de la misma manera que Camus en “La Peste,” diciendo que se alcanzas valor en la vida luchando contra el mal, también si no puede ganar. Dice que el artista puede hacer su parte porque despues de comer el artista, el buitre “sin esta presa en que satisfacía/ el hambre atroz que nunca se le apaga” (14). Este mensaje no es lleno de esperanza pero sirve de validación para su vida.

(Un buitre en la naturaleza)

Estudié por cinco meses en España y viví con una familia anfitriona cuyo hijo menor ha llegado a ser un poeta bien conocido en algunas partes en España: Suso Sudón. Uno de sus poemas contiene unas líneas bastante fuertes: “[el mundo] necesita espíritu y no caretas … menos hiperrealismo y mas imaginación/ el mundo necesita sensibilidad, escalofríos, mariposas estomacales que tomen las riendas de tu vida durante una tarde … necesita profecías no profetas/ el mundo ni siquiera necesita poetas. El mundo necesita poesía.”

Este poema me hace pensar en la poesía de Antonio Machado y la idea de la poesía como “una honda palpitación del espíritu” y como una manera de entrar en una búsqueda por “el ser de España.” El énfasis dentro de los poemas de Machado en la infancia, la memoria, el camino, y las imágenes de la tierra me recuerda de la fuerza del otro poema escrito por Suso. Creo que Machado, como artista sí mismo, no juega un rol prevalente dentro de sus poemas. Como cualquier pasajero, el vivía dentro del escenario de la tierra española: “Yo en este viejo pueblo paseando solo, como un fantasma” (Noche de Verano). El poeta no tiene importancia, sino la poesía en el modernismo español. Aunque hubiera grandes divisiones sociales durante este tiempo, Machado hace referencia a una voz colectiva a lo largo de sus obras. Finalmente, lo que es llamante es el hecho de que la identidad de una nación, o más bien una búsqueda para encontrarla, se encuentra a través de la poesía durante cualquier generación.

EL mundo necesita poesía: http://susosudon.blogspot.com/2013/03/el-mundo-necesita-poesia.html

Me interesó mucho la agonía existencialista que expresa Miguel de Unamuno en su poema A mi buitre. Nos relata una historia parecido a la de Prometeo, con los buitres devorando sus entrañas. Según este mito griego, el hombre que ha robado el fuego de los dioses para darlo a los ser humanos se ve castigado por Zeus, en la forma de un águila que tuvo el objetivo de comer el hígado de Prometeo. Siendo éste inmortal, su hígado volvía a crecer cada noche y el águila regresó a comerlo una y otra vez – así sufre un castigo eterno. La alusión de Unamuno a este mito es bastante clara aquí, pero se refiere, creo, a la agonía del existencialismo. El año pasado leí la novela San Manuel Bueno, Mártir por Unamuno, que se trata de un cura adorado que predica apasionadamente la Biblia, pero en realidad no cree en Dios. Habla de “la cruz del nacimiento” – quiere decir, la inevitabilidad de la muerte con la que tiene que lidiar. “Cruz” en este contexto tiene un significado religioso – Jesucristo tuvo que llevar una cruz y luego fue crucificado, así es un emblema del cristianismo – pero también se lo puede entender como suplicio, tortura. El nacer con la necesidad de entonces morir puede ser una cruz, porque es muy difícil de aceptar. Aquí en este poema creo que Unamuno insinúa algo parecido – ya que el buitre desaparece algún día, “el día en que le toque el postrer sorbo” (5), es probable que este momento es la muerte, y los buitres los pensamientos y dudas existencialistas que devoran al hombre hasta entonces. La repetición de este castigo se debe a la tendencia humana inamovible de buscar respuestas racionales en la vida – es por esta tendencia lógica que San Manuel no puede vivir en paz y en fe. Quiere someterse a la fe, pero la duda merma la fe continuamente, resultando en esta agonía ineludible. Hay un conflicto fundamental en estas formas de pensar fundamentales, por eso su lucha es “atroz” y “nunca se le apaga”.