Martín Fierro es un gaucho pobre que se vuelve en un bandito y asesina a un “moreno” en una pelea despues de luchar en una guerra contra los indigenas en las pampas (Martín Fierro: Poesía hispanoamericana del siglo XIX 1). El racismo de Martín Fierro en su trato con las poblaciones negras de Argentina a lo largo del poema épico se convierte en un tema significante que alude a las actitudes racistas que existían en el Siglo XIX. Después de emborracharse en una fiesta con sus amigos, el gaucho toma la decisión informada de atacar a un hombre negro cuando dise, “como nunca, en la ocasión por peliar me dio la tranca, y la emprendí con un negro que trujo una negra en ancas (Martín Fierro 1153-1156). Además, el gaucho también expresó sus puntos de vista misóginos y racistas hacia las mujeres negras cuando él se burló de una mujer y le dijo, “negra linda. Me gusta pa la carona y me puse a talariar esta coplita fregona: A los blancos hizo Dios a los mulatos San Pedro  a los negros hizo el diablo para tizón del infierno” (Fierro 5). Este pasaje revela el carácter racista del gaucho porque el objetivó y degradó a una mujer porque es negra a través de una insinuación sexual. Además, su rima va más allá de eso al argumentar que Dios hizo a los negros inferiores y demonizar a la raza negra en el proceso.

Al final de la pelea el gaucho profeso, “por fin en una topada en el cuchillo lo alcé, y como un saco de güesos contra el cerco lo largué” (Fierro 7). Estos versos presentan a un hombre que no siente remordimientos por haber matado a un hombre solo porque era negro y revela su odio hacia los negros. Despues de matar el hombre negro el guacho exclama “en esto la negra vino, y empezó la pobre allí a bramar como una loba. Yo quise darle una soba a ver si la hacía callar, mas pude reflesionar que era malo en aquel punto, y por respeto al dijunto no la quise castigar” (1245-1254). Estos versos continúan indicando que el guacho es violento y casi golpea a una mujer porque estaba llorando a su pareja muerta que él mató despiadadamente.

Estas tensiones raciales se tratan de manera diferente en el segundo libro de Hernández, La vuelta de Martín Fierro (1879), una narrativa un tanto más conciliadora. El guacho retrocede en su declaración anterior de que los negros fueron hechos por Dios y profesa que, “Dios hizo al blanco y al negro sin declarar los mejores, les mandó iguales dolores bajo de una mesma cruz; mas también hizo la luz pa distinguir los colores” (Fierro 9). Aunque el gaucho tuvo una transformación en sus puntos de vista raciales., el racismo violento que expresa en el primer libro refleja el legado racista del Siglo XIX. Cuándo los países latinoamericanos se independizaron se quedaron con la cuestión de cómo convertir las ex colonias, con sus diferentes etnias y clases sociales, en naciones coherentes. Para muchos criollos ilustrados, “la respuesta fue identificarse con la civilización europea, donde estaba la riqueza, la democracia, la luz de la razón y el progreso. Sería necesario entonces eliminar o transformar (educar) la “barbarie” indígena, africana o mestiza” (Fierro 1). La mentalidad racista del guacho refleja esta negación de la negritud en la creación de nuevas naciones que querían eliminar la barbarie Africana.

El barroco enfatiza la complejidad y una estética de exceso como respuesta al influjo de riqueza que transformó los reinos feudales a monarquías imperiales (Lírica Barroca Española 1600-1700 1). En cambio, en el periodo de neoclasismo se buscan armonía, equilibrio y simetría. Todo lo desproporcionado y exagerado se considera monstruoso en la estética neoclásica. Las artes en general deben tener un fin útil, que puede ser didáctico (enseñanza), moral (depurar las pasiones) o social (sátira de las malas costumbres, para corregirlas) (Poesía española del siglo XVIII 2). Por eso se ponen de moda las fábulas cuyo proposito es transmitir una moraleja al lector atraves de personales ficticos como animales con características humanas. Félix María de Samaniego fue un gran fabulista de este periodo quien era conocido por ridiculizar los defectos humanos a través de sus sátiras sobre la política y la religión de su época  (Poesía española del siglo XVIII 4). No me sorprende que el intenta imitar al famoso Esopo quien fue un novelista y narrador griego acreditado con las famosas Fábulas de Esopo porque el movimiento de neoclasicismo fue inspirado por el arte clásico como la simplicidad y simetría, que se consideran virtudes de las artes de la antigua Grecia.

En el calvo y la mosca utiliza el dispositivo literario de la personificación porque en la fábula la mosca recibió cualidades humanas. Esto es evidente en los versos cuando, “con risa desmedida la Mosca prorrumpió: calvo maldito, si quitarme la vida intentaste por un leve delito, ¿a qué pena condenas a tu brazo, bárbaro ejecutor de tal porrazo?” (Poesía española del siglo XVIII 4). Estos versos retratan a la mosca como como vengativa y condenando las acciones del anciano por un leve delito. Sorprendentemente, el anciano respondió de manera prudente al ataque de la mosca diciendo que, “al que obra con malicia, rigurosa justicia debe dar el castigo conveniente” (Poesía española del siglo XVIII 4). La moraleja de esta versión profesa que, “ el grado de la ofensa tanto asciende cuanto sea más vil aquel que ofende” cual refleja que las personas de clase baja reciben peores castigos (Poesía española del siglo XVIII 4). La moraleja en esta reescritura de una fábula tradicional atribuida a Esopo es interesante porque es bastante diferente a la moralejas en otras versiones que declara que la venganza hará daño al vengador. La diferencia en la moraleja de la versión de Félix María de Samaniego puede ser atribuido a que las  fábulas del periodo también representaban los sentimientos políticos del neoclasicismo porque “simbolizan el conflicto entre autoritarismo religioso y racionalismo liberal que se libraba en la Península, y en el que los ilustrados tenían, en general, menos influencia económica y política que los déspotas” (Poesía española del siglo XVIII 2). Esto demuestra que la diferencia en términos de influencia económica entre ilustrados y déspotas influye esta moral sobre la clase social y el castigo.

Ilustraciones de EL Calvo y La Mosca 

El calvo y la mosca

https://en.wikisource.org/wiki/The_Fables_of_Æsop_(Jacobs)/The_Bald_Man_and_the_Fly

Me Gusta Esta Narración De La Fábula 

Esopo era un fabulista y narrador griego.

https://en.wikipedia.org/wiki/Aesop

En el Siglo XVI, la corona española se convirtió en el reino más grande y rico en Europa debido a la expansión colonial en el que adquirieron metales valiosos. Esta riqueza se manifestó en el Siglo de Oro que era un período de florecimiento en las artes y la literatura. Este periodo coincidido con el barroco que enfatiza la complejidad y una estética de exceso como respuesta al influjo de riqueza que transformó los reinos feudales a monarquías imperiales (Lírica Barroca Española 1600-1700 1). Un tema común que caracterizó el arte de este período fue cuestionar el valor y la autenticidad de todo incluyendo el significado y la bellez de la vida en la tierra.

Este movimiento valora la originalidad cual comienza la “tradición de ruptura” en cual los escritores exhiben un nuevo deseo de dejar un sello personal y crear un estilo propio. (Lírica Barroca Española 1600-1700 1). Escritores estaban fascinados con la complejidad de formas y el adorno ostentoso para crear su propio estilo. Luis de Góngora y Argote perdurará como uno de los escritores barrocos más famosos aunque su escritura era polarizante por su complejidad formal.

El Soneto CLXVI escrito por Luis de Góngora y Argote en el siglo XVII refleja la mentalidad de carpe diem que existía en la época del Barroco. Luis de Góngora y Argote utiliza el Blasón que es un modo poético donde el escritor divide el cuerpo de la mujer en partes cuando dice, “goza cuello, cabello, labio y frente” (Soneto CLXVI 9-10). Además, el escritor el “oro, lilio, clavel, cristal luciente” para representar la belleza de la juventud y el tema de carpe diem cual insta a esta mujer a disfrutar el momento presente  (Soneto CLXVI 11). El poema también toca el tema de memento mori cual refleja la enfatización con el significado de la vida en la tierra y sirve como recuerdo de la vanidad de la vida y la cercanía de la muerte. Esto es evidente porque el autor la insta a disfrutar su juventud antes que se convierte, “no solo en plata o viola troncada se vuelva, mas tú y ello juntame en tierra, en humo en sombra en nada” (Soneto CLXVI 12-14). En estos versos las flores presentan un marcado contraste a el humo y la nada cual sirve como advertencia de la muerte a esta mujer mientras ella aún puede disfrutar su juventud.

https://en.wikipedia.org/wiki/Luis_de_Góngora

En la sociedad de Al-Ándalus “convivían las tres grandes religiones de la época: musulmanes, judíos y cristianos.” La diversidad de esta sociedad se manifestó en su literatura ya que la poesía de la época reunía, “influencias de las tres culturas y las tres lenguas, sobre todo español y árabe.” Las moaxajas o muwashah son un excelente ejemplo de esta fusión de culturas porque combinaron la Moaxaja en árabe con la Jarcha en español que era la parte final de este tipo de poema y aunque estaba escrita con caracteres árabes, utilizaban dialectos derivados del latín (Poetas musulmanes y judíos en al-Ándalus). Estaba intrigada por el hecho de que, aunque  las composiciones fueron escritas por hombres, generalmente las mujeres protagonizan en primera persona.

Al’ Acma al-Tutili fue un autor de moaxajas que escribió una elegía por la muerte de su esposa y un tema transmitido en el texto es la sensación de estar atrapado. Ya que el poema está escrito desde el punto de vista de su esposa ella exclama, “¡Volaría, mas no encuentro dónde volar!” (Al’ Acma al-Tutili 10). Este verso muestra una mujer atrapada en un amor violento e injusto y el hecho de que no estamos leyendo esto de su voz auténtica también sirve para silenciar. Ademas, el verso, “bienvenido sea él, aunque me exponga a la muerte” y el simbolismo de las lagrimas, agua y fuego retrata a una mujer que está aceptando el abuso y maltrato

Al final el verso, “mi amado está enfermo de mi amor” sirve para penalizar aún más a su esposa presentándola como responsables del amor que es comparable a una enfermedad. En esta situación, la culpa es de la mujer y el hombre pierde todo. Aunque las mujeres disfrutaban  de varios derechos bajo la sociedad de Al-Ándalus como la oportunidad de ser “poetas, escritoras, filósofas, doctoras y abogadas,” su representación en la poesía me hacer pensar sobre su posición cultural como mujeres en la sociedad