Author Archives: edangelo

Poema 20 en la lectura y en la película

Vemos el Poema 20 en ambos la lectura y en la película sobre Neruda.  Durante esta época de su vida, Neruda escribió con los temas diferentes incluyendo del amor.  Por un joven de diecinueve años, Neruda tenía una gran comprensión del amor, muy racional pero también un poco pesimista.  Su poema es una reflexión sobre un amor pasado.  A veces era un amor en equilibrio, de solamente un lado u otro en que Neruda “yo la quise, y a veces ella también me quiso” (líneas 6) o en que “ella me quiso, a veces yo también la quería” (línea 9).  Entonces reconocí el sentimiento de desesperanza en que la vida es triste sin su amor y “oír la noche inmensa, mas inmensa sin ella” (línea 13).  Finalmente llegó al fin de la relación en total en que el autor no quiere mas a su amor.  Dice “ya no quiero, es cierto, pero tal vez la quiero” (línea 27) para mostrar que esta relación que era un gran amor, pero ahora está terminado.  Creo que, para un joven de diecinueve años, esta comprensión de amor es muy impresionante.  Él pudo ver que había una trayectoria del amor; empezó bueno, cambió a un amor de un lado o el otro, y terminó con una continuación de la vida.

Esta idea de continuación era importante en la vida urbana de la época también.  La lectura dice que allí vivía la vida bohemia de estudiante.  La vida bohemia está relacionada con la sociedad europea de casi el mismo tiempo en que la juventud artística vivía de manera diferente que la gente en general.  Era una vida un poco más libre y sin preocupaciones en que la gente experimentaba con actividades diferentes, incluyendo la sexualidad.  Aquí la joven Neruda escribió en una manera controversial y un poco erótico para su época; un hombre tan joven con gran experiencia del amor y su descripción de “su voz, su cuerpo claro. Sus ojos infinitos” (línea 26).

Pienso que este poema estaba utilizaba en la película porque es una expresión de un tiempo feliz y fácil de la vida de Neruda.  En la película, vimos un tiempo muy difícil para Neruda en que en un fugitivo y su país está en contra de su partido político.  Necesita correr por su libertad y no experiencia las mismas libertades que antes.  Es un recuerdo por Neruda y su audiencia sobre su vida fácil y divertido, antes de los políticos y las responsabilidades.  Así que aún cuando él corre afuera de persecución, puede volver a un tiempo feliz y tranquillo.

A mi buitre y conflicto interno

Por su juventud, familia, y educación, las creencias de Miguel de Unamuno fueron opuestas de las del gobierno en su época.  Era un socialista y republicana contra una monarquía con grandes influencias del militar.  Su vida estaba llena de conflicto interno y su poema demuestra esta violencia y destrucción.

El poema es fuerte en sentimiento y gráfica en descripciones.  Muestra una situación horrible por todos, como la vida en España durante esta época de agitación y violencia civil.  En el poema, solamente hay dos personajes, él hombre muriendo y el buitre hambre.  Solamente dos en su propio mundo, como España durante la última parte del siglo XIX y la comienza del siglo XX.  Los dos personajes pueden ser los dos lados políticos (los liberales y los monarquistas) o también la gente de España en general.  Como en su mundo real, este mundo del poema está lleno de sufrimiento.  El buitre “devora las entrañas fiero” (línea 2) pero también es su “único constante compañero” (línea 3).

Aunque el narrador está sufriendo, solamente quiere estar con el buitre y nadie más.  Dice que aún en sus últimos minutos “quiero que me dejéis con él solo y señero” (líneas 6-7).  En esta primera parte del poema, parece que hay un respeto entre el narrador y su asesino.  Es interesante porque por muchos años en España, los partidos pequeños necesitaban esperar pacíficamente hasta el día que el gobierno se hace débil.  Entonces, vimos el fin escondido del narrador mientas “en sus ojos la sombría mirada al ver la suerte que le amaga sin esta presa en qué satisfacía el hambre atroz que nunca se le apaga” (líneas 11-14).  Es su venganza; sabía que el buitre va a devorar todo de su cuerpo, pero también sabía que, si el buitre come todo, va a destruir su mismo también.  Parece cómo un comentario sobre la situación en el país; la gente está destruyendo su mismo.  Por su conflicto interno, la gente (el buitre) estaba destruyendo su mismo (devora las entrañas hasta no hay mas presa).

 

¿Quién es el macho alfa en el reino animal? – Juan contra Luis

El primero acto de Don Juan Tenorio incluye una competición entre hombres que está presente por culturas y especies: ¿quien es el macho alfa?  Nuestros dos hombres importantes en este juego son don Juan Tenorio y don Luis Mejía; ambos hombres fuertes, jóvenes y engreído especialmente en respeto a su destreza con las mujeres.  Primero, empieza con sus amigos Centellas (amigo de don Juan) y Avellaneda (amigo de don Luis).  Los hombres hablan los dos hombres y debaten quien es el mejor, cada hombre defendiendo su propio amigo.  Cuando Centellas dice, “no hubo hombre alguno que aventajarle pudiera con sólo su intención” (p. 15, líneas 290-292) Avellaneda responde que su amigo es más masculino que don Juan.

Después, cuando los hombres se quitan sus mascaras, don Juan y don Luis empieza lo mismo debate – quien es lo más “masculino”.  Cada hombre recita su propio discurso que se enfoca en su destreza.  Mientras don Luis dice “no habría nadie que hiciera lo que hiciera Luis Mejía” (p. 20, líneas 425-426), don Juan responde su mismo, “yo ‘gallardo y calavera” (p. 21, línea 468) y sobres sus “empresas amorosas”.  Los hombres están comparando sus “conquistas” durante su apuesta; quien fue lo mejor soltero.  Don Juan lo continua con su nueva apuesta, menos emoción y más competición cuando explica que solamente necesita seis días, “uno para enamorarlas, otro para conseguirlas, otra para abandonarlas, dos para sustituirlas, y una hora para olvidarlas” (p. 27, líneas 686-690).

Es un argumento clásico entre hombres jóvenes y por la mayoría de reino animal.  Los hombres luchan para decidir quien es el macho alfa, quien es más poderoso y masculino, quien es el campeón.  En términos generales, quien gana la mujer y la posición de poder.  Podemos mirar el mismo tipo de argumento en partidos de deportes, debates de los políticos, y aún en luchas para las mujeres en otros animales.  Este tema del machismo es popular no solamente en el arte en esta época, pero también en la vida normal de ahora.  Aquí es una competición y nada más; no les importa a quien les duelan, solamente quien puede hacer más que el otro.  Como dos carneros en una lucha para la única mujer, uno de los hombres va a sufrir.

 

La mosca – ¿por qué culpa a los débiles?

La obra El calvo y la mosca es un adaptación de una fábula de Aesop.  Hay una mosca cerca de la calva de un anciano, vuela y pica en esta calva.  Cuando el anciano trata de golpear a la mosca, golpea su calva y no la mosca. La mosca se habla al anciano pero el anciano responde con su juicio fuerte.

No hay una esquema de rima en esta fábula, pero hay una estructura distinta.  Tiene cinco partes.  Las primeras dos partes son de tres líneas, y las últimas 3 partes son de 6 líneas.  También, Samaniego usa personificación aquí por una conversación entre el anciano (una persona) y la mosca (un animal).  Solamente hemos visto una táctica similar una vez antes de este ejemplo, en la poema entre los caballos de Cid y Don Quixote.  No sé si esto es algo importante, pero es interesante.

El mensaje de la fábula es interesante también.  Si has visto el comentario después de la adaptación de Samaniego, el moral de esta adaptación es diferente de lo de las otras.  Aquí, “el grado de la ofensa tanto asciende cuanto sea más vil aquel que ofende” (líneas 23-24) muestra el moral de la fábula de Samaniego.  Es un comentario de la parte social de su sociedad, los clases sociales.  Muestra la desigualdad entre los de la clase alta y los de las clases bajas.  Los de las clases bajas reciben tratamiento peor, castigos más fuerte, y menos libertad. Crímenes pequeños de personas de las clases bajas están juzgados más duros que crímenes grandes de las clases altas.  Mientras en las otras adaptación, el moral es un comentario sobre las acciones del anciano.  Son morales como vas a castigar ti mismo si gastas energía en enemigos minores (de Charles William Eliot) o que ellos que hacen cosas malas con intento son peor que los que hacen estas cosas sin intento (C. Smart).  En estos dos casos, el anciano es lo incorrecto porque puede controlar sus acciones.  Es un comentario interesante sobre la sociedad durante esta época que Samaniego eligió tener su moral el opuesto de los otros.  Da la falta a los débiles, un idea muy elitista.

Catolicismo y mitos clásicos en La vida es sueño

No sé como comentar en un otro “blog”, así que esta es una respuesta a Los mitos griegos entre la poesía de Luis de Góngora y Argote de Lucia.

El tema de la mezcla de religiones es evidente en la Primera jornada de La vida es sueño de Martin.  Como dice Lucia, en esta época, era una crisis religiosa en España.  Era un cambio de las creencias con muchas preguntas sobre la practica de su religión y también la exploración religiosa a los mitos clásicos.  Aquí, parece que los personajes mencionan los mitos para representar cosas extremos o negativos.  Por ejemplo, en el torre, cuando Clotaldo amenaza a Rosaura y Clarín, Segismundo dice que va a actuar como los titanes de Grecia y “para quebrar al sol esos vidrios y cristales, sobre cimientos de piedra pusiera montes de jaspe” (50-51).  Este sentimiento es un poco fuerte por una respuesta de una amenaza a dos extranjeros.  Pero, refleja la inestabilidad de la cultura; era una época de pasión nuevo y expresión fuerte.  También, Segmismundo compara su vida sin libertad a un laberinto; un otro ejemplo de algo de los mitos en una luz negativa.

En el mismo tiempo, hay muchas referencias al Dios y el cielo, como en el catolicismo.  Habla sobre el “espíritu” de una persona, entonces sobre “ley del cielo” (50) y “cielo nuestros sucesos” (66) que son referencias al destino de una persona.  Este sentimiento sugiere que los personajes miran a Dios para consejos y dirección.  Es interesante porque, durante una época de mucho cambio en toda la vida, parece que Martin siempre busca al catolicismo para dirección.  Es la idea del destino en que hay una ruta para cada person que está construido por un poder más alta (como Dios).  Entonces, cuando cosas son malas, como aquí cuando Basilio dice que su “infelice hijo” estuvo “naciendo víbora humana” (67), él cree que fue un castigo de Dios.  También, durante tiempos difíciles, los personajes piden consejo a Dios para dirección.  Así que aún durante una crisis religiosa, el autor siempre usa Dios como un roque para los morales y creencias generales.  Finalmente, se puede ver en intersección entre las tradiciones católicos y griegos.  Por ejemplo, en las dos religiones, la idea de algo celestial es importante.  Como “tu vista celestial” (56), es algo afuera de este mundo y, normalmente, algo más prestigiosa y bonita de lo normal.

Como en las obras de otros artistas borrocos, hay una relación interesante entre mútiples religiones.  Aquí Martin mezcla aspectos de catolicismo y de los mitos griegos para mostrar su perspectiva abierta sobre la religión durante este época de cambio.

Los papeles diferentes de Dios en la vida

La poesía de Santa Teresa de Ávila presenta una perspectiva interesante a las ideas de la vida y la muerte.  En la pequeña biografía de la autora, dice que ella era una monja carmelita quien escapó de su casa a la iglesia, más especifica, a un convento.  Ella dedicó todo de su vida a Dios, pero parece que ella no le gustaba la vida.  En su poema Letrilla, ella muestra su dedicación a Dios.  A ella, Dios es todo y una vida con Dios es completo; dice, “quien a Dios tiene, nada le falta” (líneas 6-7).  Es interesante porque en este poema, parece que no hay nada en el mundo que la fe en Dios no puede superar.  Aquí, hay creencia profundo en el poder de Dios; es un poema inspirador a la gente religiosa. En contrasta, su poema Vivo sin vivir en mí, es mucho más oscuro y sin esperanza.  Ella repite la línea “que muero porque no muero” en el final de cada estrofa que significa cada momento ella está muriendo porque está viva.  Expresa la idea que no hay una vida real hasta la muerte.  Dice “aquella vida de arriba es la vida verdadera” (líneas 45-46) que es similar a las ideas de Manrique en Coplas por la muerte de su padre.  Para los dos ejemplos, la vida es simplemente un camino a la muerte; no tiene su propia significa sino es una etapa antes de la muerte.  Vivo sin vivir en mí es algo muy pesimista; es verdad que, en catolicismo, hay un gran cielo con Dios después de la vida.  Pero, también reconoce que la vida es importante también.  Es probable que Ávila lo escribiera este poema durante su tiempo “cerca de morir” en que no había mucho más que la idea que ella estaría con Dios.  Aún, para mí, parece raro tener un poema tan pesimista sobre la vida con la religión cuando la religión era un factor muy central de la vida de toda la gente.

Nunca utilizaban sus mujeres cultas

Para mí, como para Lisa, algo interesante sobre estas lecturas es el papel de las mujeres.  Durante los años de gobiernos islámicos en la Península Ibérica, había una sociedad muy avanzada con libertad religiosa y oportunidades para las mujeres.  Los cristianos, judíos, y musulmanes coexistieron en paz y las mujeres (de la clase alta) tenían la oportunidad de estudiar en la Universidad en Córdoba.  Cuando pienso en sociedades con un gobierno islámico y la Edad Media, no pienso en grandes oportunidades de mujeres pero aquí parece que ellas tenían algunas oportunidades.  Es sorprendente que ellas mujeres con educaciones no fueron escribiendo estos poemas si todos los hombres los había escrito de la perspectiva de una mujer.  Cuando estaba leyendo los poemas (específicamente en zéjel y moaxaja) no los leí en una voz femenina.  Es verdad que los poemas enfocan en cosas “taboo” como deseo y alcoholismo y usan “él” como el sujeto del deseo, pero no son “femeninos”.  Es interesante que los hombres estaban tratando de escribir como una mujer cuando su sociedad tenían mujeres cultas quienes podían escribir poemas de la perspectiva femenina.  Las mujeres habían sido sexualizadas por estes poemas, ellos estaban escrito por la perspectiva de una mujer y funcionan para mostrar que, todavía en una sociedad tan progresiva, las mujeres siempre eran objetivos de deseo, nunca intelectuales.