“Los filósofos también están hechos de carne y hueso” (Academy of Ideas citas de filosofia). En 1912, Miguel de Unamuno publicó un libro titulado, El sentimiento trágico de la vida en los hombres y en los pueblos. La pregunta básica que Unamuno hizo en sus poemas es: ¿por qué? ¿Y para qué? El poema, A mi buitre, se centra en la pregunta anterior, al tiempo que destaca la investigación de la conciencia de Unamuno al hacerlo presente, consciente y solo (excepto el buitre), en el momento de la muerte. En muchos de los otros poemas que hemos leído este semestre, el medio ambiente y la naturaleza han sido una salvadora, pero aquí, para Unamuno, la naturaleza es su fin y la vida, literalmente, se lo ha tragado. En su propia muerte, se dio cuenta de sus propias limitaciones, que esencialmente lo que es la conciencia, ya que todos estamos limitados por nuestras muertes eventuales. Como limitación, puede haber una tragedia, pero Unamuno ve tanto la tragedia como el poder en el buitre mientras está consciente de su momento de desvanecimiento. Él dice que el buitre, “es mi único constante compañero”  lo que representa el hecho de que siempre está consciente de sus propias limitaciones en la vida. El buitre de alguna manera es una metáfora de estar constantemente en una crisis existencial. Es tan difícil para nosotros imaginarnos que no existiremos un día, y en eso, Unamuno dio consentimiento en la muerte. En este poema, el buitre está literalmente hecho de tinta sobre papel, y no puede volar, lo que también es una metáfora de la injusticia de la vida y la tortura que todos nos permitimos sentir.

Por su juventud, familia, y educación, las creencias de Miguel de Unamuno fueron opuestas de las del gobierno en su época.  Era un socialista y republicana contra una monarquía con grandes influencias del militar.  Su vida estaba llena de conflicto interno y su poema demuestra esta violencia y destrucción.

El poema es fuerte en sentimiento y gráfica en descripciones.  Muestra una situación horrible por todos, como la vida en España durante esta época de agitación y violencia civil.  En el poema, solamente hay dos personajes, él hombre muriendo y el buitre hambre.  Solamente dos en su propio mundo, como España durante la última parte del siglo XIX y la comienza del siglo XX.  Los dos personajes pueden ser los dos lados políticos (los liberales y los monarquistas) o también la gente de España en general.  Como en su mundo real, este mundo del poema está lleno de sufrimiento.  El buitre “devora las entrañas fiero” (línea 2) pero también es su “único constante compañero” (línea 3).

Aunque el narrador está sufriendo, solamente quiere estar con el buitre y nadie más.  Dice que aún en sus últimos minutos “quiero que me dejéis con él solo y señero” (líneas 6-7).  En esta primera parte del poema, parece que hay un respeto entre el narrador y su asesino.  Es interesante porque por muchos años en España, los partidos pequeños necesitaban esperar pacíficamente hasta el día que el gobierno se hace débil.  Entonces, vimos el fin escondido del narrador mientas “en sus ojos la sombría mirada al ver la suerte que le amaga sin esta presa en qué satisfacía el hambre atroz que nunca se le apaga” (líneas 11-14).  Es su venganza; sabía que el buitre va a devorar todo de su cuerpo, pero también sabía que, si el buitre come todo, va a destruir su mismo también.  Parece cómo un comentario sobre la situación en el país; la gente está destruyendo su mismo.  Por su conflicto interno, la gente (el buitre) estaba destruyendo su mismo (devora las entrañas hasta no hay mas presa).

El poema “A mi buitre” de Miguel de Unamuno representa una critica del fascismo español. El poema cuenta una batalla paulatino contra un buitre que le come y le mata eventualmente. Pero el autor avisa que al final, es el que gana no el buitre porque ahora el buitre pierde su comida y su único contacto. El poema es escrito por una audiencia que debe participar. El autor pide que el lector “que me dejéis con él solo y señero” porque quiere mirar la cara del buitre (7).

El poema expresa la solitud del autor. Era confinado a su casa durante los últimos años de su vida y exiliado durante siete años antes. Era combatante contra el fascismo y su lucha le puso en su arresto domicilio y entonces podemos ver este poema como reflexión sobre su lucha.

El “buitre voraz de ceño torvo/ que me devora las entrañas fiero” representa el fascismo (3). El fascismo, como el buitre, le devora. Pero el mensaje del autor es que el fascismo necessita enemigos para legitimizarse y entonces cuando mata a todos sus enemigos intellectuales, no puede satisfechar su “hambre.”

El poema obviamente critica el brutalismo del fascismo pero también commenta en el papel del artista bajo un gobierno represivo. Avanza un argumento casi-existentialista de la misma manera que Camus en “La Peste,” diciendo que se alcanzas valor en la vida luchando contra el mal, también si no puede ganar. Dice que el artista puede hacer su parte porque despues de comer el artista, el buitre “sin esta presa en que satisfacía/ el hambre atroz que nunca se le apaga” (14). Este mensaje no es lleno de esperanza pero sirve de validación para su vida.

(Un buitre en la naturaleza)

Estudié por cinco meses en España y viví con una familia anfitriona cuyo hijo menor ha llegado a ser un poeta bien conocido en algunas partes en España: Suso Sudón. Uno de sus poemas contiene unas líneas bastante fuertes: “[el mundo] necesita espíritu y no caretas … menos hiperrealismo y mas imaginación/ el mundo necesita sensibilidad, escalofríos, mariposas estomacales que tomen las riendas de tu vida durante una tarde … necesita profecías no profetas/ el mundo ni siquiera necesita poetas. El mundo necesita poesía.”

Este poema me hace pensar en la poesía de Antonio Machado y la idea de la poesía como “una honda palpitación del espíritu” y como una manera de entrar en una búsqueda por “el ser de España.” El énfasis dentro de los poemas de Machado en la infancia, la memoria, el camino, y las imágenes de la tierra me recuerda de la fuerza del otro poema escrito por Suso. Creo que Machado, como artista sí mismo, no juega un rol prevalente dentro de sus poemas. Como cualquier pasajero, el vivía dentro del escenario de la tierra española: “Yo en este viejo pueblo paseando solo, como un fantasma” (Noche de Verano). El poeta no tiene importancia, sino la poesía en el modernismo español. Aunque hubiera grandes divisiones sociales durante este tiempo, Machado hace referencia a una voz colectiva a lo largo de sus obras. Finalmente, lo que es llamante es el hecho de que la identidad de una nación, o más bien una búsqueda para encontrarla, se encuentra a través de la poesía durante cualquier generación.

EL mundo necesita poesía: http://susosudon.blogspot.com/2013/03/el-mundo-necesita-poesia.html

Me interesó mucho la agonía existencialista que expresa Miguel de Unamuno en su poema A mi buitre. Nos relata una historia parecido a la de Prometeo, con los buitres devorando sus entrañas. Según este mito griego, el hombre que ha robado el fuego de los dioses para darlo a los ser humanos se ve castigado por Zeus, en la forma de un águila que tuvo el objetivo de comer el hígado de Prometeo. Siendo éste inmortal, su hígado volvía a crecer cada noche y el águila regresó a comerlo una y otra vez – así sufre un castigo eterno. La alusión de Unamuno a este mito es bastante clara aquí, pero se refiere, creo, a la agonía del existencialismo. El año pasado leí la novela San Manuel Bueno, Mártir por Unamuno, que se trata de un cura adorado que predica apasionadamente la Biblia, pero en realidad no cree en Dios. Habla de “la cruz del nacimiento” – quiere decir, la inevitabilidad de la muerte con la que tiene que lidiar. “Cruz” en este contexto tiene un significado religioso – Jesucristo tuvo que llevar una cruz y luego fue crucificado, así es un emblema del cristianismo – pero también se lo puede entender como suplicio, tortura. El nacer con la necesidad de entonces morir puede ser una cruz, porque es muy difícil de aceptar. Aquí en este poema creo que Unamuno insinúa algo parecido – ya que el buitre desaparece algún día, “el día en que le toque el postrer sorbo” (5), es probable que este momento es la muerte, y los buitres los pensamientos y dudas existencialistas que devoran al hombre hasta entonces. La repetición de este castigo se debe a la tendencia humana inamovible de buscar respuestas racionales en la vida – es por esta tendencia lógica que San Manuel no puede vivir en paz y en fe. Quiere someterse a la fe, pero la duda merma la fe continuamente, resultando en esta agonía ineludible. Hay un conflicto fundamental en estas formas de pensar fundamentales, por eso su lucha es “atroz” y “nunca se le apaga”.  

            La lucha de la aristocracia contra la clase burguesa emergente resaltó el conflicto de la desigualdad regional. Además, la introducción de la dictadura fue usada como un movimiento contra la corrupción política, con la esperanza de mejorar el significado de una NACIÓN. Sin
embargo, las condiciones de los trabajadores continuaron horribles y la desigualdad persistió, lo que empeoró el sistema. Así, Miguel de Unamuno trató de representar el simbolismo para reflejar el comienzo de una nueva fase y su deseo de una realidad mejor.

Uno de sus poemas más famosos es Castilla, donde lo utiliza como una metáfora para retratar una idea de dificultades. Habla sobre la sequedad de Castilla, como la palma de la mano: “tierra de Castilla, en la rugosa palma de tu mano,” y agrega que el cielo y el sol resaltan un paisaje de sequedad y desesperanza. Sin embargo, como se indica en el handout “Unamuno opone el concepto de “intrahistoria”: aquello cotidiano que vive el pueblo y que solo recibe atención en tiempos de crisis,” lo que significa que está tratando de decirle al lector que sí, que la tierra estaba seca y muerta, pero no detuvo a las personas trabajadoras para trabajar en esta tierra y luchar por una vida mejor.

Además, aunque la tierra estaba seca, el autor todavía puede ver su belleza diciendo “Ara gigante, tierra castellana, a ese tu aire soltaré mis cantos,” que muestra que el autor está resaltando la belleza de la tierra marcada por su geografía e historia. Esto es extremadamente importante, especialmente porque, como aprendimos en la clase anterior, el movimiento modernista trató de enfatizar el proceso de convertirse en nación, y la sequedad de Castilla, solo fortaleció su importancia a lo largo de la historia.

Fuentes para las imágenes:

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Estoy muy interesada en la dicotomía durante la generación de’ 98 en España entre los dos grupos: los aristócratas y la burguesía. Aunque ésta no es la primera vez en la historia donde vemos a la clase obrera luchando por los derechos sobre aquellos a quienes se les dieron privilegios desde el nacimiento, parece que este periodo en España produjo una gran cantidad de literaturas bellas empoderando a las masas.

Antonio Machado contribuye a estas obras. Especialmente en su poema “He andado muchos caminos”, proporciona una plataforma en la que los lectores pueden identificarse con la mayoría de la gente de España. Inicialmente escribe, “en todas partes he visto caravanas de tristeza, soberbios y melancólicos” (versos 4-7), donde expone el hecho de que dondequiera que vayas en el mundo, hay gente que es pobre. ¿Pero por qué es así? Luego yuxtapone a estas personas con los que son más fortuna, escribiendo “y pedantones al paño que miran, callan, y piensan que saben” (versos 9-11). Acentúa el hecho de que estas personas siempre piensan que son mejores que las otras, y este patera persiste. Sólo porque nacieron en un estatus superior, deshumanizan a los que están debajo de ellos. Pero hacia el final del poema, Machado gira esta idea: “Y en todas partes he visto gente que danzan o juegan, cuando pueden (versos 15-17). Él humaniza a estas personas y simplemente afirma que también disfrutan de sus vidas como los aristócratas. Trabajan duro para ganarse la vida, pero al mismo tiempo son seres humanos que bailan, juegan, etc. Sí, este sistema de disparidad social es horrible, pero a lo largo del camino no podemos olvidar que la gente de abajo es como todos los demás, viviendo lo mejor que pueden.

La era del modernismo explora la identidad espanol. Los escritores “estudian sus paisajes y tradiciones” para crear una obra que representa “lo espanol”. Construir un identidad espanol en los poemas, los poetas “prefieren un lenguaje cercano al habla cotidiana” (2). Se puede ver estos aspectos en el poema “He andado muchos caminos” del Antonio Machado. El poema se escribe simplemente en la forma de un cuento como la poesía de la edad media, y se escribe sin ambigüedades. El estilo sencillo permite que la poesía del modernismo sea accesible a todos, porque los poetas se centraron en cómo los pueblos y la población rural mantenían “lo español” y buscaron captar el sentimiento.

El título viene de la primera línea, donde el narrador insinúa que conoce el país íntimamente por decir que el “[ha] andado muchos caminos” (1). Empieza la primera parte con “en todas partes [ha] visto/ caravanas de tristeza” (5-6). La gente se describe como “soberbio”, y que están “apestando la tierra” (14). Esta gente desprecia los que “beben/ el vino de las tabernas” (12), sugiriendo que la gente tristeza vienen de la clase alta, y son desconectadas del país. En el segundo parte el narrador se repite el comienzo con “Y en todas partes [ha] visto/ gente que danzan o juegan”. El parte final describe la gente feliz que ha encuentro como llena de vida, a pesar de la tristeza que infecta el otro poblacion, y a pesar de que puedan tener solo “cuatro palmos de tierra” (18) y viajan por “mula vieja” (22). Esta gente vive “en el momento”, comunicado por como ellos “[nunca] preguntan a donde llegan…y no conocen la prisa” (20, 23).

El poema termina con “y en un dia como tantos,/descansan bajo la tierra”. Esta línea muestra que Machado no considera la gente contenta ser extraordinario, porque al final se mueren y estan enterrados como todos. La mensaje final sugiere que no elegimos en si moríamos, pero si elegimos como vivimos.

https://www.elespanol.com/cultura/patrimonio/20180702/monumentos-espanoles-consagrados-unesco/319498053_3.html