El fin de Don Juan Tenorio resulta en la muerte de los dos amantes (Don Juan y Doña Inés) y, en vez de un final típico del cuento, la redención de Don Juan:
“Quede aquí/
al universo notorio/
que, pues me abre el purgatorio/
un punto de penitencia/
es el Dios de la clemencia/
el Dios De Don Juan Tenorio” (130).
No estoy segura de que Don Juan merezca una especia de redención. Pero, al mismo tiempo, el final nos deja como lectores un cierto sentido de esperanza para la condición humana (aun sus variaciones peores). Se puede ver esta misma final de esperanza en la adaptación moderna y estadounidense de Don Juan llamada “Don Jon.” Dirigida por Joseph Gordon-Levitt, la película se trata de un mujeriego que seduce a múltiples mujeres, pero las relaciones no le satisfacen. La película da un giro contemporáneo al cuento original: en vez de desear mas mujeres, este “Don Jon” tiene una compulsión por ver la pornografía. Por lo final de la película, ha empezado una relación con una mujer, basada en el amor y entendimiento mutual, y la preocupación por parte de Jon con la pornografía ha disminuido. Igual que la experiencia de Don Juan Tenorio, Don Jon ha encontrado una especie de redención con un amor verdadero.
Al seguir la tradición del romanticismo, la idea de que los seres humanos necesitan expresar sus sentimientos verdaderos y no los ocultan es importante a los temas centrales de Don Juan Tenorio. José Zorrilla muestra que esta expresión (si no es de una sensación verdadera o con el propósito de encontrar un amor verdadero) puede ser peligrosa. En el final, lo que salva ambos Don Juan Tenorio y Don Jon en la adaptación moderna, es el amor puro, no el amor sexual.
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Originalidad y Irracionalidad – La esencia del romanticismo
El período del romanticismo en Europa fue marcado no solo por el romanticismo romántico, sino también por el romanticismo de la guerra. También hubo un énfasis muy interesante en el uso de la naturaleza, la idealización del pasado y la búsqueda de nuevas métricas poéticas.
En el poema lírico “A la patria – Elegía” podemos ver algunos ejemplos de romanticismo. El poema usa palabras como “lágrimas” y “dolor” para expresar una idea de emoción y pasión por 
la patria. El poema también está lleno de irracionalidad, ya que la voz en el poema parece estar hablando con la patria, que no es una persona. La idea que obtengo de este poema es de alguien que está hablando con su país de origen acerca de cómo es perder su imperio. Además, el poema agrega la cita: “extendió los brazos a la inquieta España”, dando vida al país y usándolo como un personaje en la historia.
Creo que este poema es muy original porque le da vida al propio país, enfatizando la creatividad y la originalidad. Por otro lado, es un sentido de irracionalidad y complejidad porque el autor está utilizando a su país como el personaje principal de la historia, haciendo preguntas y probablemente esperando respuestas de algo que no puede responder. Estas características muestran que el poema es parte del período de romanticismo.
Manera divertida de aprender sobre el romanticismo.
El papel del género y el amor en el romanticismo
“Los Mensajes De Clío.” GERTRUDIS GOMEZ DE AVELLANEDA, losmensajesdeclioyotrashistorias.blogspot.com/2016/03/gertrudis-gomez-de-avellaneda.html.
Es esencial tener siempre en cuenta el papel de las mujeres y estoy muy feliz de aprender sobre el crecimiento de las poetas y dramaturgas desde el siglo XV. Específicamente, con Gertrudis Gómez de Avellaneda y su representación del romanticismo hispanoamericano. Aunque hubo muchas críticas sobre la participación de las mujeres en la literatura, eso no fue suficiente para detener sus exposiciones de pasiones literarias y exponer su capacidad intelectual de los hombres. Por ejemplo, el poeta Gustavo Adolfo Bécquer es un gran crítico de las intenciones no solo de los novelistas de la época, sino también de las mujeres. Me parece que Bécquer intenta devaluar el trabajo de las mujeres poetas al mostrar su perspectiva de que las mujeres están motivadas por los resultados monetarios y no valorar el arte de escribir. Esto se muestra mejor en su trabajo de Rima XXVI. Bécquer afirma, “Mujer al fin del siglo diecinueve material y prosaica …” (Verso 7) A pesar de las constantes batallas de mujeres con tener que demostrar su alta inteligencia contra los hombres, Gómez de Avellaneda hace un excelente trabajo al retratar su vida, sobre el amor y sus puntos de vista políticos y económicos a través de sus poemas. Además, mi poema favorito de ella es “A él”. Esto se debe a que puedo entender claramente su mensaje sobre el deseo de enterrar a un amor perdido por el tono que usa. Después de examinar el poema, me parece que también está desahogando sus sentimientos para demostrar sus motivos para seguir adelante. Por ejemplo, ella dirige su enojo a un hombre, “Ya eres hombre … ni amor ni miedo al contemplarte, siento”. (Verso 22-23) Basándome en su biografía, también puedo asumir que este poema pudo haber sido escrito después de estar enamorada con Ignacio Cepeda y Alcance, quien no le correspondió a la misma adoración que ella hizo con él. Así, el progreso por el amor a la literatura y el amor por sí mismo se revela explícitamente en el período del Romanticismo entre mujeres y hombres.
El Amor Imposible
La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer es fantástica. Como dice en la informática, su escritura tiene que ver con “una experiencia dividida entre el sueño y la razón” (8). Creo que su poema, “Rima XI” es un ejemplo perfecto sobre esta conversación entre los sueños y la razón. Además, es una discusión muy interesante sobre la sexualidad, que me fascina observar como un tema bien dinámica y representante del contexto de la sociedad en que escriba el autor.
El poema tiene tres estrofas, y está formateado como una conversación, posiblemente entre dos tipos de amantes y una persona quien está decidiendo a quien la/lo quiere. Un tipo de amante que hace una proposición es al amante apasionante. Ella (porque los adjetivos son femeninos) declara en líneas 1 y 2 que “yo soy ardiente, yo soy morena,/yo soy el símbolo de la pasión” (9). Después, continúa revelando que “puedo brindarte dichas sin fin” (9) en línea 6. Entonces, es una mujer de los placeres corporales, que expresa su erotismo en una manera honesta y desvergonzada. Pero el sujeto del poema no la quiere. Dice cada tiempo, “No es a ti, no” (9, línea 4 y 8). Pero, el otro amante dice, “Yo soy un sueño, un imposible, /vano fantasma de niebla y luz; soy incorpórea, soy intangible: no puedo amarte” (9, líneas 9-12). Y a esta proposición, el sujeto responde positiva, con un mandato, diciendo, “Oh ven, ven tú” (9, línea 12). Entonces, vemos que Bécquer está jugando con la idea de lo deseable en un amante. En esto, hace un comentario en el amor en la sociedad, que es irracional porque busca lo imposible. En este poema, el sujeto no quiere el amor de placer, que ofrece placeres tangibles, y que hace la proposición del amor en una manera directo, pero sin coerción. A la inversa, el amante que elige dice directamente que no lo puede amar. Aquí, la paradoja es clara, y Bécquer usa esta paradoja para sugiere que no estamos eligiendo amantes buenas. O sea, está diciendo que persiguiendo un amor que está basada en la fantasía y los sueños en vez de un amor real de placeres corporales va a resultar sin amor.
Quiero explorar los ideas de la representación de la sexualidad en la poesía más!
El sexismo dentro de El sí de las niñas
El sí de las niñas es una obra de teatro escrita por Leandro Fernández de Moratín. Sirve la obra como una forma de criticar el control que los padres tienen sobre sus hijos con respecto al matrimonio. Esta crítica esta reflejada en la relación entre la madre Doña Irene y su hija Doña Francisca, quien ha crecido en un convento solo para obedecer a su madre y casarse con un hombre rico. El énfasis del carácter Don Diego en la importancia de no enseñar a las hijas ser quietas o sumisas es un mensaje fuerte para decir durante los primeros anos del siglo 19. En aquel siglo, las mujeres solo podían elegir entre dos identidades: la de la madre/marida o la de la monja. Se puede decir que Moratín como autor esta criticando un sistema de educación (informal) que refuerza estos arquetipos de la mujer en la sociedad.
Sin embargo, creo que El sí de las niñas confirma algunos estereotipos sobre las mujeres al mismo tiempo que los rechaza. Por ejemplo, mientras el hombre Don Diego permanece como la voz de la razón en la obra, la mujer Doña Irene representa todo lo que debe ser ofensivo a la figura de la mujer en la sociedad. Otra vez, las mujeres juegan el rol de “la mala,” o, con respecto a Francisca, “la chica inocente y pura.” Además, la única cosa a que la mujer debe aspira es el amor, pero, en este caso, un amor verdadero (representado con el matrimonio entre Don Carlos y Paquita). Dentro de su tiempo, esta obra definitivamente propone la igualdad de la mujer, pero, por supuesto refleja otras costumbres tradicionales. El rol del autor masculino como fuente de crítica sobre el sexismo social es crucial, pero, también puede ser peligroso.
El comentario en Soneto XII
La época del neoclasicismo era un tiempo de iluminación cuando muchos artistas y escolares empezaba liberarse de los temas y las narrativas del Barroco. En alguno poesía neoclasicismo, los escritores se apoyan en ciertos estructuras de los eras anteriores, pero el contenido es más progresivo, cuestionar creencias previas y criticar los valores universales. Soneto XII, escrito por Tomás de Iriarte, da un buen modelo de la Ilustración.
Se toma la estructura del soneto de siglos muy pasados, pero el poema se opone ideas de los movimientos antes y critican la sociedad moderna para enfatizar la importancia de la independencia de una persona. Al tener la independencia ser el tema principal del poema es algo de nota ya que el soneto es una estructura muy tradicional, y típicamente los sujetos eran amantes. Iriarte habla sobre la mujer y el amor, pero para decir “Del sexo mujeril casi no pendo \ pues amo por placer, no por oficio” (líneas 5-6). Es un comentario crítica de la sexualización de la mujer y la falta de amor auténtica en otro poesía. También, se aborda el tema familiar de la muerte. En otros periodos, la muerte fue algo que temer o anticipar, pero en lugar de eso, Iriarte dice en la estrofa final:
Mas la espero sin miedo y con paciencia,
vivo sin desearla; y de esta suerte,
amigo, se acabó de la dependencia. (líneas 12-14)
El muerte solamente es un hecho de la vida, y el neoclasicismo enfoqué en lo racional, como ha sido aquí, pero también sutilmente reprende poetas de otras épocas por sus puntos de vistas menos razonadas.
Además, hay un pulla ligera a la sociedad capitalista al principio del poema cuando dice que “Del oro, como muchos, no dependo, \ …pues ni le guardo ni codicio” (líneas 1-2). Durante esta época, lo material se consideró en alta importancia, pero Iriarte hace el punto que él no necesita los productos costosos, que inadvertidamente pone en duda la obsesión social con bienes materiales.
La pelea entre Samaniego y Iriarte
Los escritores Félix María de Samaniego y Tomás de Iriarte eran conocidos por ser enemigos. Esta epigrama es un ejemplo de su animosidad, ya que su propósito es burlarse de Iriarte como escritor y traductor. Las epigramas “tienen una larga tradición clásica entre griegos y romanos” (6), y los dos escribieron en un estilo neoclásico. El poema comienza con Samaniego llamando a Iriarte por su primer nombre, “Tomás”, como si fuera un amigo familiar, y como si todos los que leen supieran quién era ese Tomás. Dice que las obras de Tomás no son “ni buscadas ni aun leída”, aunque fueron prohibidas por la Inquisición, sugiriendo que no fueron suficientemente populares para merecer el tiempo o la preocupación de la Inquisición.
En la segunda estrofa, invoca los nombres de griegos y dioses griegos, diciendo que su obra habría molestado a los griegos “Horacio y el buen Virgilio” (2), habría ido a Júpiter a preguntar “cómo permites que Iriarte/ traduciéndose sin arte,/ nos ponga en disfraz de payos” (6-8). Aquí pregunta por qué Júpiter, también llamado Júpiter, dejaría que tal cosa ocurriera. Samaniego toca las dos partes de la vida de Tomás de Iriarte: su vida como escritor y su vida como traductor. En la primera estrofa dice que las obras de Tomás son indignas de la inquisición, financiado por la corona, y en la segunda, que son indignas de los grandes autores que está traduciendo, y de sus dioses.
En la segunda estrofa, Horacio y Virgilio refieren a Tomás de Iriarte sólo como “Iriarte”. Esto contrasta con el principio en lo que llama el como “Tomás”, y esta familiaridad se elimina. El uso del primer nombre sugiere que Horacio y Virgilio no le tienen interes en Tomás, y que el no es conocido por ellos. El dios Júpiter también es llamado por su otro nombre, Júpiter, para enfatizar su llamado a él, como si usara su segundo nombre para asegurarse de que escuchan sus gritos. La obra se llama epigrama, que suele ser una “declaración memorable” (6), y son frecuentemente “inscripciones sobre esculturas u otros artefactos” (6), pero este epigrama sólo fue escrito por el humor, a mostrar públicamente la discordia entre los dos autores.
Epigramas de Samaniego a Tomás de Iriarte
Me he dado cuenta de que la poesía de la Ilustración consista principalmente en fábulas. Los epigramas de Samaniego a Tomás de Iriarte me interesan mucho por el contenido y también la estructura. En el epigrama VIII dice en la última línea algo sobre “la santa Inquisición.” Esto me interesa mucho porque al analizar la historia de Tomás de Iriarte dice que fue reprobada por la Inquisición por publicar algo no aprobado por el gobierno. El epigrama entera parece tener un sentido de auto depreciación. Parece que se habla a si mismo sobre sus obras y que no son apreciados por nadie. Sugiere con la ultima línea que por ser prohibidas por la inquisición deberían tener influencia, pero no lo tengan.
La próxima epigrama que vemos, el IX, refleja mucho lo que me imagino que sea el ambiente de literatura durante esta época. En la segunda línea habla sobre algunos poetas clásicos, Horacio y Virgilio, y también habla sobre unos Dioses romanos y griegos como Jove/Júpiter. Me parece que mucha de la ilustración fue centrada en estos conceptos de la antiguedad romano y griego. De Iriarte dice algo sobre traducir algo, me imagino que quiere decir algo de emoción sin arte. Parece que sin arte, “nos ponga en disfraz de payos..” como dice en la última línea
Ambos epigramas tienen estructura de rima diferentes. El primero tiene algo como a b a y el segundo algo como a bb a a bb a. Esta estructura nos da algo de ritmo y hace que el poema lee más fácil y con emoción.
El Dios Júpiter https://simple.wikipedia.org/wiki/Jupiter_(mythology)
El paradigma de género
Antonio de Nebrija fue un humanista educado en Italia que publicó un diccionario español de gran influencia en 1495. Nebrija estableció un nuevo estándar al incluir más de treinta mil entradas. Durante el siglo siguiente fue revisada docenas de veces, en nueve ciudades europeas. A medida que estos diccionarios se abrían camino en todo el mundo, se convirtió en la línea de base para los diccionarios de idiomas no latinos.
Después de nuestra visita a la biblioteca, he estado pensando en las formas en que las voces masculinas conducen las opiniones populares sobre el sexo femenino. Este semestre hemos leído desde ambos lados, viendo a las mujeres como objetos y viendo a las mujeres como poderosas y educadas.
El paradigma de género dominante siguió siendo uno que hizo a las mujeres bajo el control de los hombres, como sus sujetos y su característica definitoria. El matrimonio se consideraba esencial para defender su virginidad o virtud y, por consiguiente, el honor y la reputación de sus parientes masculinos. Después de ver la diferencia en la longitud de la definición de la palabra Hombre en comparación con la definición de la palabra mujer, pensé en cómo Zayas y Sor Juana cuestionaban la idea de que las mujeres eran inherentemente inferiores a los hombres, tanto en los tonos como en las palabras. Lo usaban en sus obras. Mientras investigaba a estas dos mujeres, encontré esta cita escrita por Zayas, “Si este asunto del que estamos hechos los hombres y las mujeres es una unión de arcilla y fuego, o una masa de la tierra y el espíritu, no tiene más nobleza en los hombres”. que en las mujeres, si nuestra sangre es la misma, si nuestros sentidos, nuestros poderes y los órganos que realizan sus funciones son todos iguales; nuestras almas son iguales, porque las almas no son ni masculinas ni femeninas ”. Esto se contrasta aunque con ejemplos comunes de texto, como Soneto XII, de Tomás de Iriarte, hay una declaración sobre el sexo femenino y las formas en que muchos Depende de ello. Zayas, Sor Juana y otros poderosos textos escritos por mujeres proporcionaron un importante catalizador para un cambio en el pensamiento, a pesar de que las ideas convencionales sobre género y sexo han regresado.
El Calvo y La Mosca: La Moraleja Con Muchos Significados
El barroco enfatiza la complejidad y una estética de exceso como respuesta al influjo de riqueza que transformó los reinos feudales a monarquías imperiales (Lírica Barroca Española 1600-1700 1). En cambio, en el periodo de neoclasismo se buscan armonía, equilibrio y simetría. Todo lo desproporcionado y exagerado se considera monstruoso en la estética neoclásica. Las artes en general deben tener un fin útil, que puede ser didáctico (enseñanza), moral (depurar las pasiones) o social (sátira de las malas costumbres, para corregirlas) (Poesía española del siglo XVIII 2). Por eso se ponen de moda las fábulas cuyo proposito es transmitir una moraleja al lector atraves de personales ficticos como animales con características humanas. Félix María de Samaniego fue un gran fabulista de este periodo quien era conocido por ridiculizar los defectos humanos a través de sus sátiras sobre la política y la religión de su época (Poesía española del siglo XVIII 4). No me sorprende que el intenta imitar al famoso Esopo quien fue un novelista y narrador griego acreditado con las famosas Fábulas de Esopo porque el movimiento de neoclasicismo fue inspirado por el arte clásico como la simplicidad y simetría, que se consideran virtudes de las artes de la antigua Grecia.
En el calvo y la mosca utiliza el dispositivo literario de la personificación porque en la fábula la mosca recibió cualidades humanas. Esto es evidente en los versos cuando, “con risa desmedida la Mosca prorrumpió: calvo maldito, si quitarme la vida intentaste por un leve delito, ¿a qué pena condenas a tu brazo, bárbaro ejecutor de tal porrazo?” (Poesía española del siglo XVIII 4). Estos versos retratan a la mosca como como vengativa y condenando las acciones del anciano por un leve delito. Sorprendentemente, el anciano respondió de manera prudente al ataque de la mosca diciendo que, “al que obra con malicia, rigurosa justicia debe dar el castigo conveniente” (Poesía española del siglo XVIII 4). La moraleja de esta versión profesa que, “ el grado de la ofensa tanto asciende cuanto sea más vil aquel que ofende” cual refleja que las personas de clase baja reciben peores castigos (Poesía española del siglo XVIII 4). La moraleja en esta reescritura de una fábula tradicional atribuida a Esopo es interesante porque es bastante diferente a la moralejas en otras versiones que declara que la venganza hará daño al vengador. La diferencia en la moraleja de la versión de Félix María de Samaniego puede ser atribuido a que las fábulas del periodo también representaban los sentimientos políticos del neoclasicismo porque “simbolizan el conflicto entre autoritarismo religioso y racionalismo liberal que se libraba en la Península, y en el que los ilustrados tenían, en general, menos influencia económica y política que los déspotas” (Poesía española del siglo XVIII 2). Esto demuestra que la diferencia en términos de influencia económica entre ilustrados y déspotas influye esta moral sobre la clase social y el castigo.
Ilustraciones de EL Calvo y La Mosca
https://en.wikisource.org/wiki/The_Fables_of_Æsop_(Jacobs)/The_Bald_Man_and_the_Fly
Me Gusta Esta Narración De La Fábula
Esopo era un fabulista y narrador griego.
https://en.wikipedia.org/wiki/Aesop