Category Archives: Poetry and Theater

La vida es sueño – Rosaura

Un aspecto importante de La vida es sueño el hecho que Rosaura pretende ser un hombre en su misión a Polonia. La personalidad y las acciones de Rosaura significan una forma nueva y diferente de retratar a las mujeres en la literatura. Ella no está usado únicamente por su belleza, pero ella tiene opiniones y control. Sin embargo, con el objetivo de ella tener estas características, ella tiene que vestirse como un hombre. Esto indica claramente la división entre géneros y los papeles específicos que cada género debe cumplir. La manera en que Rosaura actúa, incluyendo viajar a Polonia y buscar venganza, no es apropiada para una mujer. Mientras ella da a Clotaldo su espada, Rosaura dice, “vengo a Polonia a vengarme de un agravio” (52). No sería socialmente aceptable que una mujer tiene estos objetivos.

Mientras que Calderón de la Barca intencionalmente hace que Rosaura pretende ser un hombre para comentar en los papeles de género y mejorar el argumento, las mujeres reales a lo largo de la historia han pretendido ser hombres. Este artículo detalla mas de diez veces diferentes en que las mujeres disfrazaron de hombres para lograr sus objetivos. https://www.huffingtonpost.com/marlo-thomas/women-who-passed-as-men_b_3203857.html?slideshow=true#gallery/295280/0 Aunque La vida es sueño tiene cientos de años de edad, este tema aun relevante porque las mujeres todavía pretenden ser hombres porque de debido a las ventajas de ser un hombre en el mundo de hoy. Por ejemplo, Joanne Rowling usa el nombre J.K. Rowling en sus libros porque menos personas habrían comprado sus libros si su identidad como una mujer estaba claro. En conclusión, los motivos detrás del disfraz de Rosaura como hombre son, desafortunadamente, todavía relevantes en la sociedad actual.

La Burla Publica de Gongora

Francisco de Quevedo escribió el poema “Poderoso caballero es don Dinero” como un comentario satírico sobre la sociedad, pero escribió “A una nariz” como una broma sobre su enemigo, Luis de Góngora. Quevedo conocido por ser antisemita, y como Góngora es judío converso, lo uso como una oportunidad para burlar de su nariz por un soneto entero, sin cambiar el tema. En la primera línea, dice que hay un hombre con una nariz “pegado”, lo que sugiere que la nariz es una carga para él. Los comparaciones de la nariz a unas cosas grandes son creativos y utiliza descripciones exóticas. Ejemplos incluyen “Ovidio Nason”, “una pirámide de egipto”, y “una galera”. Estos ejemplos se usan para enfatizar el tamaño de su nariz, pero también son interesantes y fascinantes, posiblemente para mantener la manera ligero de la broma. Además de los metafóricos, Quevado dice que la nariz es “un naricisimo infinito/muchisimo nariz” para asegurarse que no hay ambiguedad. A Quevado le odio “la estetica retorcida de Gongora” y posiblemente quería escribir un soneto sin duda a quien le escribio

Quevedo también quiere que decir que Gongora es inutil, porque se dice que es un “un reloj de sol mal encargado/ érase un elefante boca arriba”. Un reloj de sol sin el sol es inútil, y también la imagen de un elefante boca arriba es una idea absurda que ilustra cómo ve a Gongora absurdo o ridículo. En la línea final, dije que la nariz en la “cara de de Anás fuera un delito”, haciendo un comentario obviamente antisemita para recordarle al lector que los judíos crucificaron a Jesús.

El Soneto de Cervantes: Diálogo entre Babieca y Rocinante

Tomo un clase de Cervantes, es verdad,  y por esta razón es obvio que me fascina este soneto y su contexto histórico.

Un ejemplo de un caballo tan delgado como yo imagino Rocinante
https://www.flickr.com/photos/monicalacaci/5174902587

Cervantes fue un genio literario, ya sabemos eso, pero este soneto sirve para probar este hecho. Quisiera empezar por hablar sobre las diferencias entre Babieca y Rocinante. Babieca es el caballo de Amadís de Gaula, un héroe famoso en la literatura de la caballería. En cambio, Rocinante es el corcel de Don Quixote, un hidalgo que volvió loco por leer tantos libros de la caballería.  Lo que me fascina sobre este diálogo es que el amo de Rocinante fue obsesionado con Amadís y por el libro hay referencias a este héroe, y la influencia que tenía en el hidalgo loco. El soneto empieza con una conversación sobre la apariencia de Rocinante: “-¿ Cómo estáis, Rocinante, tan delgado? / – Porque nunca se come y se trabaja / – Pues, ¿ qué es de la cebada y de la paja? / – No me deja mi amo ni un bocado.”   Es importante notar que, en el libro, como he aprendido en mi otra clase, Don Quixote no cree que es necesario comer porque dentro de los libros de caballería no menciona la acción de comer. Este hecho esta reflejado en la última estrofa cuando dice, “¿cómo me he de quejar en mi dolencia / si el amo y escudero o mayordomo / son tan rocines como Rocinante?” Cada caballo representa su amo en varias formas. Rocinante es tan delgado como su amo donde Babieca parece bien criado por ser caballo de un caballero verdadero.

 

 

¡Ay mísero de mí!

Este primer monólogo de Segismundo me parece clave para la obra, además que la literatura y el pensamiento religioso hispano. El príncipe encadenado reflexiona sobre su sufrimiento como ser humano y su cautiverio, tanto literal como figurativamente. Reconoce su crimen al principio, admitiendo, “pues el delito mayor / del hombre es haber nacido” (111-112). Aquí introduce la idea del pecado original, la desobediencia de Adán y Eva en el Jardín de Edén que dio como resultados la caída de la raza humana. Según el cristianismo, cada hombre es concebido y nacido en pecado; la naturaleza humana es corrupta. Me recuerda del libro San Manuel Bueno, Mártir por Miguel de Unamuno, que menciona frecuentemente la idea de “la cruz del nacimiento”. En esta novela, el sacerdote agnóstico San Manuel experimenta el conflicto angustioso entre la creencia en la existencia de dios y la duda, que procede de la inclinación del ser humano a pensar lógicamente y buscar explicaciones racionales. Hay que aceptar la existencia de Dios sin prueba y tener fe a pesar de todo, pero la duda merma la fe continuamente. Para el sacerdote agnóstico San Manuel igual que Segismundo, es la inevitabilidad de la muerte les persigue, entonces el haber nacido es una lacra.

Además, creo que tiene algo que ver con Coplas por la muerte de su padrey la idea que introduce de la muerte como un río. El padre de Jorge tenía el aplomo y la resignación cristiana para aceptar la voluntad de Dios y desembocar en “el mar / que es el morir”. El uso de un cuerpo de agua para ilustrar la muerte es un tema recurrente en la literatura hispana, y creo que sugiere el misterio, la inquietud, y lo desconocido envueltos en la muerte. Además, insinúa la falta de libre albedrio, en la medida en que somos pasajeros desamparadamente llevados por la marea. El tema de la inevitabilidad de la muerte se ve en Coplas igual que el monólogo de Segismundo – él lucha incansablemente con su impotencia contra su sino, como vemos cuando lamenta, “¿y teniendo yo más alma, / tengo menos libertad?” El aceptar que, debido al pecado original que le ha manchado, nada de lo que pueda hacer tendrá efecto sobre su destino es una conclusión difícil de confrontar. Estas inquietudes filosóficas son a mi parecer fundamentales a la existencia humana.

Bibliografía

Lewis-Smith, Paul. Calderón De La Barca: La Vida Es Sueño. Grant & Cutler, 1998.
Unamuno, Miguel de. San Manuel Bueno, Mártir. Create Space, 2017.

Dos poetas en contra

El período barroco fue definida por sus aspectos excesivos y ornamentales. Durante este tiempo la literatura experimentó una subida del intelectualismo así como la subjetividad, y por estas razones las obras producidas fueran tan únicas. Dos escritores de este tiempo, que también eran enemigos de los demás, se llamaban Luis de Góngora y Francisco Quevedo. Góngora nació en Salamanca y era conocido por su personalidad sociable, además de su escritura bellamente compleja y nueva. Al otro lado Quevedo nació en Madrid a una familia noble. Quevedo criticó a la estética retorcida de Góngora y se esforzó a escribir obras que eran más sencillos.

Mientas que los does poetas seguramente eran divididos en una manera social, también hay una dicotomía entre la estructura y la ideología de sus obras, definida por las escuelas del pensamiento conocidos como el culturalismo y el conceptismo. El culturalismo, asociada con Góngora, estaba extenso y lleno de alusiones, mientras jugando con cosas estilísticas, como las palabras, las fantasías, los sonidos y las formas. Particularmente en el el concepto de la forma, hay mucha complejidad en el orden sintáctico. En el poema Soneto CLXVI por Góngora, escriba “y mientras triunfa con desdén lozano del luciente cristal tu gentil cuello” (versos 7-8). Usa el técnico conocido como encabalgamiento, que es el cambio del orden típico de una frase para añadir algo estilístico al poema. Sin embargo, Quevedo escribió obras asociadas con el conceptismo, donde la literatura era mas conciso, rápido, y ingenioso, y especialmente da más importancia al fondo que a la forma — el contenido era lo mas importante. Quevedo escribió en su Soneto amoroso, “Si dios eres, Amor, ¿cuál es tu cielo? (verso 1). Las obras de Quevedo son más sobre el contenido abstracto y las preguntas de la vida, y esto hizo que su literatura suena mas coloquial como eso de Góngora.

La Belleza es Fugaz

En el Siglo XVI, la corona española se convirtió en el reino más grande y rico en Europa debido a la expansión colonial en el que adquirieron metales valiosos. Esta riqueza se manifestó en el Siglo de Oro que era un período de florecimiento en las artes y la literatura. Este periodo coincidido con el barroco que enfatiza la complejidad y una estética de exceso como respuesta al influjo de riqueza que transformó los reinos feudales a monarquías imperiales (Lírica Barroca Española 1600-1700 1). Un tema común que caracterizó el arte de este período fue cuestionar el valor y la autenticidad de todo incluyendo el significado y la bellez de la vida en la tierra.

Este movimiento valora la originalidad cual comienza la “tradición de ruptura” en cual los escritores exhiben un nuevo deseo de dejar un sello personal y crear un estilo propio. (Lírica Barroca Española 1600-1700 1). Escritores estaban fascinados con la complejidad de formas y el adorno ostentoso para crear su propio estilo. Luis de Góngora y Argote perdurará como uno de los escritores barrocos más famosos aunque su escritura era polarizante por su complejidad formal.

El Soneto CLXVI escrito por Luis de Góngora y Argote en el siglo XVII refleja la mentalidad de carpe diem que existía en la época del Barroco. Luis de Góngora y Argote utiliza el Blasón que es un modo poético donde el escritor divide el cuerpo de la mujer en partes cuando dice, “goza cuello, cabello, labio y frente” (Soneto CLXVI 9-10). Además, el escritor el “oro, lilio, clavel, cristal luciente” para representar la belleza de la juventud y el tema de carpe diem cual insta a esta mujer a disfrutar el momento presente  (Soneto CLXVI 11). El poema también toca el tema de memento mori cual refleja la enfatización con el significado de la vida en la tierra y sirve como recuerdo de la vanidad de la vida y la cercanía de la muerte. Esto es evidente porque el autor la insta a disfrutar su juventud antes que se convierte, “no solo en plata o viola troncada se vuelva, mas tú y ello juntame en tierra, en humo en sombra en nada” (Soneto CLXVI 12-14). En estos versos las flores presentan un marcado contraste a el humo y la nada cual sirve como advertencia de la muerte a esta mujer mientras ella aún puede disfrutar su juventud.

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https://en.wikipedia.org/wiki/Luis_de_Góngora

 

Los mitos griegos entre la poesía de Luis de Góngora y Argote

Es muy interesante ver la influencia de los mitos griegos en la poesía de Luis de Góngora y Argote. Leímos en el articulo que este tiempo por España era un tiempo de crisis; crisis del gobierno, crisis de la epistemológica y ética, y crisis de la Iglesia, que “ya no se cree completamente en lo que representan” (2). Entonces, es muy interesante que Góngora está jugando con ideas de un religión muy antiguo y pagano, que obviamente no apoya las ideas de la iglesia católica, en su poesía. Por ejemplo, en su Letrilla XLVIII, escribe sobre tres figuras de los mitos griegos, quien murió por el amor. En versos 31-33, dice “Pase a medianoche el mar,/ y arda en amorosa llama/ Leandro por ver a su dama;” (5), que es una referencia a ese amante quien murió cuando vio su amado. También, en versos 38-42, dice “Pues amor es tan cruel, que de Píramo y su amada hace tálamo una espada, do se junten ella y él, sea mi Tisbe un pastel” (5). En estas dos instancias, Góngora está usando el tropo de el amor como una enfermedad, o algo peligroso, que hemos visto muchas veces en la poesía que había desarrollado en España hasta este periodo barroco, pero está mezclando estas ideas con mitos antiguos de otra religión.

Creo que esta idea es muy saliente en el Soneto CLXV, con su yuxtaposición de imagines de la Santa María y el cielo con los dioses de los griegos. Se ve este en la primer estrofa, que dice “Ilustre y hermosísima María,/ mientras se dejan ver a cualquier hora/ en tus mejillas la rosada Aurora,/ Febo en tus ojos y en tu frente el día” (4). Es muy interesante que Góngora está escribiendo que la sagrada María de cristianismo está directamente conectada al dios del sol, Apollo, que es Febo en este poema. Entonces, estas palabras hacen un comentario sobre la conexión entre la Virgen María y dioses de una religión anciana, y casi pone el dios Febo, del sol, en una posición superior, porque está arriba de ella, iluminando a ella. Quiero saber que significa el sol por las dos religiones, y que quiere decir el poeta sobre esa fusión entre la luz, la pureza, la Virgen, y el politeísmo griego.

 

Related imageFuente de Apollo, Aranjuez, Madrid

(http://www.spainisculture.com/en/jardines_historicos/madrid/jardin_del_principe.html)

La poesia durante el Renacimiento

Las historias basadas durante el Renacimiento fueron realmente inspiradoras. El teatro presentó obras sobre el amor cortés y las aventuras de los caballeros. Rara vez los medios de comunicación retratan el amor como una forma de sinceridad y caballerosidad. Debido a la clase noble, el entretenimiento durante el siglo XVI era esencial y el crecimiento intelectual estaba en demanda.

“Clases Sociales En El Renacimiento.” Museo Virtual, museodehistoriamoderna.blogspot.com/2012/10/clases-sociales-en-el-renacimiento.html.

Durante el crecimiento económico y urbano, destacó un admirable poeta, Lope de Vega. A pesar de ser bajo en estatus y riqueza, el poeta fue capaz de superarse a sí mismo en ser reconocido a nivel mundial como artística e intelectualmente. (P1) Vega fue reconocido con prestigio. Sin embargo, todo el talento y la inteligencia de Lope de Vega no fueron suficientes para que tuviera éxito con amor. Creo que la falta de amor fue importante; los sentimientos que Vega experimenta fueron cruciales para las emociones representadas en sus poemas.

“Soneto 126” (1)

 

Además, en el soneto 126 de Rimas de Vega, se retrata una gran frustración contra sus amantes. Los dos primeros versos del poema tienen muchos adjetivos que implican su felicidad y sufrimiento. Además, las acciones que Vega tuvo lugar en su vida fueron culpadas y guiadas por el anhelo de amor y desamor. Además, su solución para sanar las heridas y eliminar el dolor, dice en la tercera estrofa tres, versículo 10, “bebe veneno con licor suave, olvida el beneficio, ama el daño”. También, en los versículos 13-14 indica, “da la vida y el alma a una desilusión: esto es amor, quien lo intentó sabe” Además, a través de estas líneas, podemos ver que Vega pudo haber tenido un problema con la bebida. Por otro lado, Vega crea una conversación para formar una relación con el lector y compartir emociones sobre el amor.

 

Es importante recordar al poeta Lope de Vega y aprender de sus éxitos. Por ejemplo, usar sus talentos para contribuir con el valor y la percepción en el mundo a pesar de la cantidad monetaria que recibirá. Del mismo modo, Vega creó cien poemas religiosos que, en particular, atrajeron a gran parte del público. La muerte de Lope de Vega marcó su legado para siempre.

Palabras: 355

Bibliografia de Imagen

(1) “Lope De Vega | POEMAS.” Pinterest, www.pinterest.ie/pin/510173464030136279/.

Barroco: Teocentrismo y Antropocentrismo – el cambio de ideales

Durante el final del siglo XVII, el crecimiento de la inflación junto con los problemas económicos y políticos iniciaron un período que atemorizó a la mayoría de los españoles, que vieron su poder desvaneciendo lentamente. El aumento de la corrupción y los errores tácticos empeoraron la situación, pero nada les quitó la confianza a las clases económicamente más altas. Además, durante este siglo, hubo un aumento significativo en la importancia del arte y la literatura, que culminó en un período llamado “El Siglo de Oro.” Sin embargo, durante este período hubo una transferencia de poder significativo desde los pequeños sistemas feudales a las monarquías imperiales que culminó con la creación de un movimiento de mercantilismo y “exceso” llamado BARROCO.

Durante este período, las personas se mudaron de las pequeñas economías agrícolas a la ciudad, donde se convirtieron en vendedores de mercadorías. Además, este fue un período de innovación para la filosofía y las ciencias, que llevó a las personas a pasar del teocentrismo al antropocentrismo. También durante este período, Dios dejó de ser la persona más importante para respetar y la gente comenzó a cuestionar la existencia y la credibilidad de él.

Además, las personas comenzaron a ser más creativas durante este período y el concepto de libertad comenzó a considerarse como inspiración para las artes y la literatura. Además, este movimiento también enfatizó la exageración, para transferir una idea de agitación y excentricidad. Aunque las personas parecían estar más felices con su nuevo conjunto de ideales, la iglesia y la monarquía estaban en medio de una nueva crisis, ya que las personas ahora eran más complacientes y escéptico sobre la importancia y el verdadero valor de las mismas.

 

Santa Teresa de Ávila: Relación Con Dios Como Amorosa y Violenta

Santa Teresa de Ávila renunció el molde de una mujer del renacimiento y escapó de su casa para unirse a un convento. Ella tuvo experiencias místicas y aunque ella fue sometida a la censura de la Inquisición, ella adoptó su experiencia cercana a la muerte en sus poemas cual tratan de su relación íntima con Dios.

Santa Teresa de Ávila era una persona enferma con epilepsi cual influyó su concepción de su enfermedad como un regalo de dios. En el poema Letrilla ella profesa, “quien a dios tiene nada le falta, solo dios basta” (Santa Teresa de Ávila 7-9). Esta estrofa enfatiza la importancia de renunciar a los deseos terrenales y amar a Dios sobre todo. Su poema Sobre aquella palabras “Dilectus meus mihi” es un verso de la biblia donde una novia dice que su novio pertenecer a ella y ella pertenece a él. Es esta manera, la relación de Teresa con Dios está representado como una relación romántica entre los amantes.

A pesar de esta descripción idílica de su relación con Dios, Santa Teresa de Ávila también describe su relación con Dios como violenta y encarcelada por el amor. Ella describe como el, “hiereme con una flecha enherbolada de amor” (Santa Teresa de Ávila ). Su aceptación de la violencia muestra que el sufrimiento se considera positivo porque es en manos de Dios. Ella también describe la condición de estar encarcelada en su amor cuando profesa, “esta divina prisión del amor con que yo vivo ha hecho a Dios mi cautivo, y libre mi corazón y causa en mí tal pasión ver a dios mi prisionero” (Santa Teresa de Ávila 11-16). Aunque estar encarcelado no suele describir una relación con Dios, esta metáfora trabaja para enfatizar que ella está feliz en una prisión con dios como su cautivo. Además, ella profesa que vive “en el señor porque me quiso para sí” y esta descripción individualizada de una relación con Dios no tenía precedentes antes del renacimiento cual valoraba el individualismo. Al final ella profesa, “quiero muriendo alcanzarte” cual muestra que ella está emocionada porque su amor la conducirá a la muerte cual la acercará a Dios.