Estoy muy interesada en dos momentos de la película, Neruda, en que dos personas tienen percepciones diferentes del papel de Neruda en el movimiento comunista y como un parte de “la gente común.” Primero, la interacción entre Peluchonneau y el hombre (mujer?) de la cantina. Cuando Peluchonneau encuentra a este hombre, lo interroga sobre el paradero de Neruda y hacia dónde va. Este hombre no responde a la pregunta; en cambio, discute el impacto en el que Neruda tuvo sobre él en esos pocos minutos en el bar. En primer lugar, establece que Neruda, a quien él venera claramente, lo trató como a un igual – esto enfatiza la similitud entre todos los que forman parte de los partidos comunistas y obreros. Además, Neruda reconoció que este hombre también era un artista, y se tomó el tiempo para hablar con él acerca de su trabajo. Por último, Neruda compartió un poema con él, que claramente tuvo un impacto en el hombre, ya que describía la belleza y la gracia con que hablaba Neruda. También, el hombre dice que Peluchonneau no puede entender la conexión entre Neruda y los trabajadores del partido comunista general, que creen en sus escritos sobre el sufrimiento del pueblo y las formas en que aboga por esos derechos. Claramente, este hombre cree que Neruda es “un portavoz” del movimiento y tiene la capacidad de hablar por las masas.

En contraste, hay una mujer que parece esperar a la gente o trabajar en la casa en una de las festividades de la cena en la que Neruda y su esposa están en. Parece borracha, y al principio se acerca a Neruda pidiéndole que recite un poema y le dé un beso. Pero después de unos minutos de hablar con Neruda y los otras personas en la mesa, queda claro que se siente frustrada por la disparidad en la riqueza, el trato y el estatus entre Neruda y otros trabajadores. Ella pregunta si, cuando el partido comunista gana en Chile, todos los comunistas serán tratados de la forma en que es tratada o si serán tratadas de la manera en que se trata a Neruda. Él respondió que todo el mundo será tratado de la forma en que se le trata, pero no arroja luz sobre el hecho de que, aunque Neruda es el portavoz del movimiento, disfruta de lujos y privilegios que el 99% de la población trabajadora no lo hace. Esto me hizo reflexionar largo y duro sobre las implicaciones del estatus de Neruda y las formas en que la gente lo percibía durante el tiempo.

Al leer sobre poesía hispanoamericana modernista, me intrigaba el poema de José Asunción Silva titulado “Nocturno III.” Creo que combina muchos elementos del movimiento modernista, y encontró que era muy convincente en su estructura innovadora, la repetición, y la imaginería. En particular, encontré el poema para enfocar particularmente en imágenes y belleza idealista, sensaciones, y una elaboración de los enigmas existenciales de la vida y la muerte. Este poema enfatizó “exploran las sensaciones (físicas y metafísicas) como un modo de conocimiento alternativo,” particularmente con las interacciones entre Silva y la otra sombra físicamente y emocionalmente.

En la biografía de José Asunción Silva, dice que el poema “Nocturno” está basado en “unidades métricas de cuatro sílabas y planeado como una partitura,” un aspecto diferente que acompaña el movimiento modernista. Junto con la musicalidad del poema, la estructura de la misma es muy diferente y notable también. Hay roturas en lugares no convencionales, y algunas líneas contienen solamente dos o tres palabras. Esto da la impresión de un poema desarticulado, tal vez se supone que se lee lentamente. El elemento de repetición también pone énfasis en ciertas palabras; por ejemplo, el repeticion al principio de la frase “una noche…” le da al lector una imagen repetida de oscuridad y obscuridad. Además, su imaginería y el uso de palabras descriptivas con el fin de establecer la escena demuestran el énfasis puesto en la belleza y la simpatía; la imagen de las luciérnagas, el perfume y la luz de la luna proporcionan una estética particularmente calmante y bella que sitúa al lector en el jardín con Silva y la sombra.

Junto con la musicalidad del poema, la estructura de la misma es muy diferente y notable también. Hay roturas en lugares no convencionales, y algunas líneas contienen solamente dos o tres palabras. Esto da la impresión de un poema desarticulado, tal vez se supone que se lee lentamente. El elemento de repetición también pone énfasis en ciertas palabras; por ejemplo, el repeticion al principio de la frase “una noche…” le da al lector una imagen repetida de oscuridad y obscuridad.  Además, su imaginería y el uso de palabras descriptivas con el fin de establecer la escena demuestran el énfasis puesto en la belleza y la simpatía; la imagen de las luciérnagas, el perfume y la luz de la luna proporcionan una estética particularmente calmante y bella que sitúa al lector en el jardín con Silva y la sombra.

Yo estaba particularmente interesado en su escritura sobre la conjunción de las dos sombras caminando juntos en el jardín: “… y tu sombra, fina y lánguida, y mi sombra por los rayos de la luna proyectadas, sobre las arenas tristes de la senda se juntaban, y eran una y eran una y eran una sola sombra larga, y eran una sola sombra larga, y eran una sola sombra larga… ” (11-20). esta repetición y la combinación de sombra y luz parece increíblemente espiritual y de otro lado, tal vez una manera de demostrar la idea modernista de imágenes no racionales. Después de la muerte de la otra sombra, él discute su soledad y tristeza, usando imágenes menos estéticamente agradables para demostrar su tristeza: frialdad, perros aullando, etc. Sin embargo, la sombra reaparece en el jardín más adelante de más allá de la tumba, una indicación de la carencia de la racionalidad y de la realidad dentro de este poema. Él pone un énfasis inherente en distinguir el cuerpo del alma, otro método para demostrar el “otherworldliness” de esta interacción.

Quiero examinar Parte II, Acto I, Escena IV (pg. 102) en el contexto del Romanticismo y la prevalencia de la religión y los espíritus en esta obra. El Romanticismo se define como “una reacción contra el racionalismo de la Ilustración… [que] valoraba el conocimiento no científico, lo irracional, lo emotivo y lo misterioso…” (Poesía española del siglo XIX). Según Britannica, el Romanticismo “puede ser visto como un rechazo de los preceptos del orden, la calma, la armonía, el equilibrio, la idealización, y la racionalidad… y un notable subproducto del interés romántico en lo emocional fueron las obras que tratan con lo sobrenatural, lo extraño, y lo horrible (https://www.britannica.com/art/Romanticism). El sobrenatural desempeña un papel importante en Don Juan Tenorio, especialmente con la presencia de las fantasmas de los personajes que afectan a la vida de Don Juan Tenorio. Aunque puede parecer tonto, quiero comparar la interacción entre la sombra de Doña Inés y Don Juan Tenorio y la película de “el villancico de Navidad,” en que Scrooge fue visitado por tres fantasmas que le instaron a cambiar sus costumbres o vivir en el infierno por su inamabilidad, el maltrato de los demás, y la falta en general de generosidad.

Primero, quiero enfocar en las palabras de salvación de Doña Inés: “Yo a Dios mi alma ofrecí en precio de tu alma impura, y Dios, al ver la ternura con que te amaba mi afán, me dijo: Espera a don Juan en tu misma sepultura. Y pues quieres ser tan fiel a un amor de Satanás, con don juan te salvarás, o te perderás con él” (pg. 103, líneas 2997-3007). También, ella le advierte que necesita cambiar sus maneras y actuar con virtud, paciencia, y la amabilidad. Don Juan Tenorio reacciona a la conversación con escepticismo en la realidad de la misma, y luego discute si debe o no cambiar sus caminos basándose en la palabra de un fantasma: “Sí, algo sobrenatural vi en aquella Doña Inés tan vaporosa a través aun de esa enramada espesa; mas…, ¡bah!, circunstancia es ésa que propia de sombras es. ¿Qué más diáfano y sutil que las quimeras de un sueño?” (pg. 104, líneas 3048-3055). Sus dudas reflejan la manera en que Scrooge reacciona a las tres fantasmas en “el villancico de Navidad”: uno del pasado, presente, y futuro. Todos le instan a que revisite su infancia y sus acciones en la actualidad y ver las formas en que podía ayudar a tantas otras personas y cambiar. Scrooge no comienza a ver el error de sus caminos hasta que aparece el tercer fantasma.

Pienso que el papel de figuras sobrenaturales y también religiosas están muy interesante en el desarrollo y el curso de una obra porque ofrecen una defensa de la religión que demuestra sus poderes para cambiar la vida de uno, y también demuestra la individualidad y el irracionalismo detrás del romanticismo como un movimiento. En los dos casos, las sombras/fantasmas representan un mediador entre la tierra y las formas sobrenaturales y las más altas. La tema de un hombre preocupado por valores que le vivían en el infierno demuestra el poder de los cielos y la salvación como la clave de la vida.

Quiero centrarme en el trabajo de Félix María de Samaniego, titulado El calvo y la mosca, en el contexto de las mayores transformaciones sociales durante el tiempo, y las formas en que la simplicidad de la escritura adquiere una nueva forma. Según la lectura, los Iluminadores revalorizaron la moderación y el equilibrio de esta nueva herencia clásica para oponerse al “exceso” del barroco, asociado con la extravagancia aristocrática y la demostrabilidad. Además, la lectura discutió tres creencias básicas que muchas personas durante el Siglo XVIII llegaron a creer:

1) la razón era una “luz” capaz de resolver todos los problemas de la vida; 2) el gobierno debe responsabilizarse del bienestar de su pueblo; y 3) el individuo tenía derecho a educarse a sí mismo y a defenderse contra el autoritarismo político, religioso e ideológico.

Así, parece que (en este tiempo) surgió una cultura de empoderamiento para el pueblo en el rostro y el individualismo, en una forma de impugnar la autoridad del estado y, en particular, los fracasos del gobierno español. Además, la lectura discute la idea de que el énfasis inherente de los seres humanos en la sociedad parecía trascender el énfasis puesto en las figuras divinas y la religión en los siglos anteriores. Así, queda claro que esta forma de vida moderna demuestra un cambio en la materia y la idea de que la racionalidad y la sabiduría han llegado a dominar a esta etapa literaria. A continuación, quiero mirar al autor y su papel en la sociedad durante este tiempo: fue parte de la burguesía, que en el Renacimiento era una clase minoritaria en ascenso, se convierte en el siglo XVIII en la clase dominante política e ideológicamente.  Así, el autor jugó un papel crucial en la sociedad y dictó las nuevas formas en que se produciría esta ilustración.

Al examinar el poema, que parece ser realmente una fábula, nos enfrentamos a la interacción común y simplista entre el hombre y la mosca, en la que la mosca muerde la cabeza calva del hombre por malicia y el hombre intenta matar a la mosca por represalia. Sin embargo, el hombre sólo termina hiriendo a sí mismo. A pesar de la estupidez aparente y inutilidad de este cuento, la lección de tratar a otros seres bien y vivir virtuosamente viene a través de esto, que coincide con la filosofía durante el tiempo en respecta a vivir una buena vida. También discute la relación entre ofensa y reacción, y declara que uno debe ser responsabilizado por sus acciones. Tal vez esto puede volverse a la idea de que la gente común comenzó a responsabilizar al gobierno de sus acciones y exigió la justicia y trato justo. El lenguaje simplista utiliza lazos de vuelta a la modernidad y la accesibilidad de esta lección para todos.

Estoy intrigada por la referencia de Ícaro en la narrativa de la vida de Teodoro y sus interacciones con Diana. El apunte #17, en página 42 del libro, dice que Icarus intentó escapar de Crete usando alas de cera, pero voló demasiado alto y el sol derritió sus ceras; cayó a su muerte. Este mito simboliza la relación entre Diana (que representa al sol), y Teodoro (que es encarnado por Ícaro), y los peligros que Teodoro enfrenta en su búsqueda de avanzar en el orden social. En los actos dos y tres, traté de buscar referencias de este mito para ilustrar la situación precaria que Teodoro se enfrenta en su persecución de Diana.

Primero, quiero hacer un paralelo entre la altura de Ícaro cuando está volando cerca del sol y el alcance en que un sirviente humilde puede subir en la jerarquía social. Al principio, Teodoro usa este mito como una forma de precaución a sí mismo contra las motivaciones ocultas y confusas de Diana:

Teodoro dice, “Mas pintaron a Faetonte y a Ícaro despeñados: uno, en caballos dorados, precipitado en un monte, y otro, con alas de cera, derretido en el crisol del sol.” Diana responde, “No lo hiciera el sol, si, como es sol, mujer fuera. Si alguna cosa sirvieres alta, sírvela y confía, que amor no es más que porfía…” (líneas 818-830).

Pienso que también, este representa la dificultad entre el temor a la presunción y la creencia de que Diana está proclamando secretamente su amor por él – Teodoro no puede presumir demasiado, pero también no quiere perder las señales de la condesa.

Más tarde, después de se ha vuelto más claro que Diana está enamorada de Teodoro y su relación con Marcela se hace más complicada, comenzó a ver a Marcela como el suelo, Diana como el sol, y Teodoro como Ícaro, tratando de navegar por el aire entre. Hay referencias cuando Teodoro renuncia el amor de Marcela: Anarda dice, “Teodoro más alto vuela. De Marcela se descarta” (línea 1564). También, después de Teodoro lee el papel de Marcela, dice: “Pregúntale a mi ventura si subida a tanta altura esas mariposas precia” (línea 1353). La comparación entre Marcela y una mariposa, una criatura que vuela bajo, pide una respuesta sabia de Tristán, quien le recuerda que Marcela solía ser “un águila caudalosa” (línea 1362).  Pienso que la naturaleza presuntuoso recién de Teodoro es muy reminiscente de Ícaro, y sólo le perjudica más tarde cuando se da cuenta de que está bajo del control de Diana (de forma similar a la que Ícaro estaba desesperado, bajo el calor del sol). Teodoro se vuelve demasiado confiado, afirmando “Tristán, cuantos han nacido su ventura han de tener; no saberla conocer es el no haberla tenido. O morir en la porfía, o ser conde de Belflor” (línea 1410).

Después de que Diana ha aceptado casarse con su primo, Teodoro se da cuenta de que ha volado demasiado cerca del sol: “Oh sol, abrasadme las alas con que subí, pues vuestro rayo deshace las mal atrevidas plumas a la belleza de un ángel!” (línea 1690). Aunque Diana eventualmente vuelve a casarse con él, creo que es interesante que esta analogía entre Teodoro e Ícaro siga siendo una parte prominente del texto. Simbólicamente, veo paralelismos entre la ira de Diana y el calor del sol y la posición frágil de Teodoro en la jerarquía social y la naturaleza delicada de sus alas.

Estoy muy interesada en las implicaciones ideológicas y filosóficas del período de Barroco, que era conocido como un cambio del Renacimiento y tiempos pre-modernos de unos modos distintos. En primer lugar, estaba fascinada en particular por la idea que este tiempo fue caracterizado por una extensión de innovación científica y progreso filosófico. Además, la idea del humanismo y el estudio del cuerpo humano y comportamiento parece influyente. En términos de poesía y otros trabajos literarios, pienso que el cambio de la escritura convencional a la del “sello personal”, y la “tradición de la ruptura” designar un descanso limpio del pasado.

Pensé que los sonetos de Francisco Gómez de Quevedo y Villegas (1580-1645) eran los más interesantes, en particular los que implicaban la sátira, el uso de nuevas formas en la poesía, y la voz personal. Quiero centrarme principalmente en “soneto satírico a un hombre de gran nariz,” primero por examinar el contexto histórico y luego buceando en el análisis del texto.

Después de que hice algunas investigaciones, leí que Francisco Gómez de Quevedo y Villegas escribió este poema sobre su rival poético, Luis de Góngora. Es interesante que la base de su rivalidad parezca estar basada en los sentimientos religiosos, especialidad como Góngora fue un converso del judaísmo al catolicismo. Esto me recordó que aunque el período barroco se caracterizó por el progreso, la innovación y la riqueza, las raíces de la rivalidad religiosa de la edad media seguían siendo un factor determinante en la composición de la dinámica social y étnica.También, pienso que la definición del “conceptismo,” que es “prefería ser rápido, ingenioso, relativamente conciso, y emplear juegos de palabras e hipérboles para transmitir complejidad de conceptos poco convencionales,” coincide con el estilo de Quevedo y Villegas en la forma en que él utiliza las hipérboles y los juegos de palabras para transmitir la sátira con un tema tan mundano como la nariz de alguien.

En cuanto al texto, quiero centrarme en algunas esferas clave que he encontrado como importantes. En primer lugar, la repetición de “Érase,” que crea la ilusión de un tipo de cuento de hadas. Creo que esto es interesante porque se siente diferente del tipo de poesía más factual y convencional que hemos examinado en cuanto a la edad media y el renacimiento. En segundo lugar, me pareció que la simplicidad de sus opciones de palabra para ser útil en la transmisión de la sátira y el humor. Por ejemplo, la frase “un hombre a una nariz pegado” parece simple, y sin embargo el orden de las palabras y la imagen que invoca son nuevos y más complejos. Su uso de las imágenes casi parece ser infantil, pero transmite la manera insultante del poema bien: por ejemplo, la imagen que aparece en mi cabeza cuando pienso en un “elefante boca arriba” es tonta y torpe. También utiliza “el espolón de una galera” y “una pirámide de Egito” para transmitir el tamaño y la ridiculez de esta característica corporal.

La puerilidad de este poema y la simplicidad de insultar los atributos físicos de alguien lo hacen extremadamente poco convencional para su tiempo. A pesar de la naturaleza pueril de esta obra literaria, su elocuencia y la capacidad que Quevedo y Villegas tiene para conectar imágenes en la mente de la gente es bastante impresionante.

Estoy interesada particularmente en “Coplas por la muerte de su padre,” escrito por Jorge Manrique. Específicamente, estaba interesada en la manera en que el autor describe la muerte y como su elogio para su padre puede ser aplicado para toda la gente en el mundo – es fácil relacionarse con el dolor y el sentimiento de recuerdo que describe tan elocuentemente.

Primero, quiero empezar con el contraste en el lenguaje que Mendoza usa para resaltar los sentimientos de la sorpresa y la crudeza de la muerte: en las primeras doce líneas, usa palabras como “se pasa la vida, cómo se viene la muerte,” o “…se va el placer…da dolor,” o “cualquiera tiempo pasado fue mejor.” Mediante el uso de los opuestos, Manrique demuestra la franqueza y la austeridad de la muerte, y cómo la afecta a los amigos y la familia.

Después, Manrique describe la transición de la vida a través de la metáfora de un viaje; usa palabras como “el camino,” o “para andar esta jornada,” o “partimos como nacemos,” y “así que cuando morimos, descansamos” (líneas 48-60). Para mí, esta metáfora me dio un tipo de consuelo, porque demuestra el hecho de que la muerte es natural y una parte inevitable de la vida. Sin embargo, también yo noté una transición en el sentimiento a través del poema: parece como si el autor se convierte de discutir el viaje de la vida a la muerte, a describir la trivialidad y inutilidad de la vida. Parece resentir el envejecimiento en las líneas 72-95, a través de la descripción de la insensatez de la lucha por las cosas que valoramos (línea 72-73), sólo para morir y perder todos los logros. También, él discute el infructuosidad de la belleza física y de la actividad, pues la vejez trae fealdad y la dificultad físicamente para hacer tanto. Usa palabras oscuras, como “al arrabal,” “graveza,” y “traidor” para ilustrar su resentimiento.

La parte que encontré más cautivador fue la “conversación” de Don Rodrigo con “la muerte,” en la que “la muerte” le da la bienvenida y esencialmente lo felicita por sus logros y su “recompensa,” que es descansar en paz. Para conectar de nuevo a mi punto anterior sobre el infructuosidad de la vida, Don Rodrigo responde, “No tengamos tiempo ya en esta vida mezquina…” (línea 444-445), que recalca con el hecho de que la gente durante este período parecía pensar en la muerte como una meta.  En mi clase de historia, aprendo sobre Plato y leí el Phaedo, que describe la muerte de Socrates. Sócrates, un filósofo, dio la bienvenida a la muerte con los brazos abiertos porque lo veía como una forma de separar el cuerpo y el alma. Creía que el alma representaba la pureza y la razón, mientras que el cuerpo estaba lleno de vicios. La forma filosófica en que se escribió este poema, junto con la forma en que Manrique describe la muerte y la transición, me recordó a Socrates y a su búsqueda de la pureza, la razón y la sabiduría después de cumplir una larga vida.

Cuando leí las dos lecturas de la edad media española y las poetas, estaba más intrigada por la edad de oro y los muchos casos de cooperación, crecimiento, y logros durante este tiempo. Una de las lecturas habla sobre un periodo de “estabilidad” en esta región durante la edad del oro…cuando lo pensé más, me di cuenta de que la tolerancia observada durante esta época superó a muchas atrocidades que ocurrieron cientos de años más tarde (por ejemplo, el Holocaust, o la aparición de ISIS y otros terroristas grupos de la religión, etc.).  Quiero responder a una pequeña parte de la lectura, pero me pareció que era increíblemente importante y relevante para nuestro período de tiempo actual: quiero enfocar en el tratamiento y la convivencia entre los grupos durante esta época y cómo este tiempo difiere de otros ejemplos.

Primero, la lectura dice que el progreso cultural, científico y social avanzó significativamente durante este tiempo, lo que no habría ocurrido sin la cooperación entre judíos, musulmanes y cristianos: “como en las comidas (zanahoria, albóndigas, naranja, aceitunas, azúcar), instituciones (ayuntamiento, alcalde, tarifa, aduana), saberes (álgebra, cifra, elixir, jarabe, nuca), y elementos cotidianos (zorro, algodón, guitarra, almohada, dado, almanaque, tarea, alcoba, rehén)..” (Poetas musulmanes y judíos en al-Ándalus, linéas 4-8). Tambien, “las sociedades y políticas de al-Ándalus fluctuaron mucho a través de los siglos, pero en general favorecieron un modo de vida urbano y humanístico, especialmente durante los periodos de estabilidad bajo la dinastía Omeya…” (Poetas musulmanes y judíos en al-Ándalus, linéas 14-16).  En cuanto a este período de adelanto y cooperación, se concedió a los judíos y los cristianos una serie de los derechos a cambio del pago y algunas restricciones…por lo tanto, todavía podían ser miembros contribuyentes de la sociedad y coexistieron y trabajaron con junto a miembros de otras confesiones religiosas. La lectura incluso el hecho de que incluso a las mujeres se les permitía estudiar en las universidades, lo que sólo demuestra una cantidad increíble de tolerancia para el período de tiempo.

La lectura también señaló la colaboración académica y artística entre miembros de religiones diferentes como uno de los factores impulsores detrás de la cooperación y la convivencia.  Pero ahora, quiero enfocar en eventos más recientes que parecen demostrar una revocación en el tiempo. Es chocante que los acontecimientos del Holocausto, los genocidios en Armenia y Myanmar, y el surgimiento de grupos terroristas basados en divisiones religiosas estén ocurriendo ahora, porque esto parece un enorme paso atrás. Nuestra intolerancia y odio hacia los “otros” ha crecido a una escala tan extensa. Pienso que podemos aprender algo sobre la datación increíble de este odio y la división, y la forma en que las regiones españolas fueron capaces de prosperar juntos basado en la cooperación.